Esta es nuestra primera entrega en formato de VIDEORESEÑA, agradecemos de antemano la colaboraciòn que nos prestò JUAN GABRIEL MORENO, ingeniero de sonido de la UNIVERSIDAD SAN BUENAVENTURA, por los ajustes en el audio.
Disfrùtenla, cuando tengan la oportunidad de verla.
miércoles, 10 de junio de 2009
viernes, 29 de mayo de 2009
IMPLICANCIAS DE LA BLOGOESFERA EN LOS EJERCICIOS DE ESCRITURA CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA.
Presentado por JUAN CARLOS PULIDO GUZMAN
Presentado a LUISA UNGAR
Podría pensarse, que la necesidad recurrente del ser humano por proyectarse más allá de sí, por medio de cualquier acción social como la danza, el canto, la literatura, la práctica de algún hobby o manualidad o el despliegue de algún interés, es fruto de un sentido del hacer algo, que puede obedecer incluso a un sentimiento de vanidad que merece ser reconocido o por lo menos exteriorizado frente al otro. La noción de autoridad es así mismo un deseo que aflora dentro de nosotros y que orgásmicamente se ve recompensado con el reconocimiento ajeno.
Esa necesidad de reconocimiento, de sentido de autoridad, derivada del poder que otorga el conocer sobre algo o sobre alguien, es lo que legitima, creando una relación de confianza, de credibilidad y de elaboración de sentido. Desde el mundo del arte, los textos de Vasari sobre los datos biográficos de los artistas del Renacimiento se tomaron como referente para hacer compilaciones enciclopédicas, que con el devenir de los tiempos y contextos, fueron constituyendo la institucionalización del periodismo especializado, que desde el arte y desde las diversas ínsulas de este campo como las prácticas plásticas tradicionales y las más vanguardistas, surtió todo un mar de posiciones, saberes y posturas que hacen del ejercicio de escritura crítica un conjunto de saberes que se legitiman e institucionalizan. Sirviendo al propósito de la academia al ser referentes de saber.
La evolución de este periodismo especializado, devino primero desde las secciones de crítica literaria en los periódicos de antaño, donde novelas, cuentos y relatos eran reseñados en cuanto a las referencias biográficas de quien los escribió, en cuanto al contenido y que posteriormente incluyeron muestras de arte en galerías y museos, en algunos casos surgiendo así la primeros publicaciones especializadas.
Para una mejor comprensión de la temática referente a la producción del ejercicio de crítica en el campo cinematográfico, haré una breve referencia histórica sobre el desarrollo que ha tenido esta práctica, desde el surgimiento del cine y las nuevas implicancias que mediante el uso del internet ha derivado en una postura anti-institucional.
Se puede decir que el ejercicio de crítica surgió con los trabajos de G. Lukács, en su obra Reflexiones sobre la estética del cine, (1913). Donde aborda al cine estéticamente como un escenario de simulacros que es inerte, en comparación con el teatro. Hacia 1924, Bela Balazs, enuncia la importancia del cine como una nueva estética que puede suscitar multiplicidad de interpretaciones, pero claro está en el marco del cine mudo, esencia que a su propio sentir se veía amenazada por la introducción del sonido. Los aportes del formalismo ruso, acotaron la necesidad de incluir al cine como arte que deformaba la perspectiva y resaltaba la importancia del montaje en la producción, como elemento que podía estar al servicio de una causa política. Siguiendo los parámetros de la lingüística de Ferdinand de Saussure, que siendo precursor del estructuralismo, llevó a realizadores como Eisenstein y Vertov, a encausar sus producciones con particularidades de significantes y significados que cumplían funciones de masificación de la imagen cinematográfica a públicos más extensos.
Sin embargo los aportes de Rudolf Arnheim y Walter Benjamin, enriquecieron el debate sobre el papel que vendrían a desempeñar los críticos y su praxis en el campo del cine. Arnheim, en su obra El cine como arte, (1932) siguiendo los postulados Sausserianos, reconoce la necesidad de conferir a el lenguaje cinematográfico una autonomía en el campo de la lingüística, siendo complementado por Benjamin, quien en su obra La obra de arte en la era de su reproducción técnica, (1936) afirmara que la percepción que logra el cine entre el público de masas, despoja al arte tradicional de un aura de erotización, lo cual podía ser potencializado en la difusión de un adoctrinamiento al servicio del marxismo. Pero el punto más interesante del desarrollo de la crítica cinematográfica vendría en el período de posguerra con André Bazin. Quien de manera paralela vendría desarrollando un análisis entre el neorrealismo presentado en el cine italiano con realizadores como Luchino Visconti, Roberto Rossellini y Vittorio de Sica.
Entre los aportes de Bazin, está el hecho de haber sido el primero en mencionar la autenticidad de la objetividad de la fotografía Cinematográfica, como elemento validante de la realidad social. Siendo importante para Bazin, el hecho de la aplicación del plano secuencia y la profundidad de campo, técnicas que desde el neorrealismo servían para objetuar la realidad y su contexto, como experiencia de vida, algo que el cine de Hollywood no lograba hacer, por su requerimiento sujeto al entretenimiento.
Sin embargo, la crítica también tuvo un punto de desarrollo bastante interesante en Hollywood, cuando a mediados de la década de 1940, surge el género del cine negro, que aunque en un comienzo, no se sabía como abordarlo, bien como estilo, movimiento o moda, terminó siendo considerado un interesante estudio sicoanalítico, que abordaba una estética oscura y pesimista. Ejemplo de ello fue el filme que abriría este género fue El Halcón Maltés de 1941, dirigida por Jhon Huston. El hecho de hacer explícito la atmósfera de crisis de las sociedades modernas, los ambientes barriales y cercanos al mundo de la delincuencia, los planos que incluían la sombra reflejada por los rostros, los escenarios sombríos y deprimentes que mostraban el lado oculto del sueño americano, fueron considerados por la crítica como elementos que evidenciaban cambios sociales en los Estados Unidos, especialmente frente a la posición de la mujer como agente emancipado del hombre.
Con la llegada de la Nouvelle vague (o movimiento de la nueva ola) hacia la década de los 60, el cine experimentó la experiencia de la ruptura con el canon academicista, siendo los realizadores de esta época casi todos provenientes del escenario de la crítica cinematográfica,
Como Jean Luc Godard, Francois Truffaut y Alain Resnais. Cahiers du Cinema, en esa época centraba sus argumentos a favor del rejuvenecimiento que el Free Cinema Británico y el Neorrealismo Italiano, llevaron a crear nuevos paradigmas de producción y realización en la industria fílmica europea, con nuevas propuestas cinematográficas en diversos géneros. Desde los documentales de Costeau que mostraban el escenario de las profundidades del mar, a manera de una narrativa propia del capitán Nemo en el Nautilus (con el empleo de cámaras y equipos de buceo revolucionariamente novedosos para la época), hasta la consagración de nuevas generaciones de actores como Jean Paul Belmondo o Bernadette Laffont, que generaron en los públicos una sensación de autoreconocimiento, por sus interpretaciones improvisadas y más cercanas a las vivencias del sujeto, frente a situaciones cotidianas. Simultáneamente, Christian Metz, planteaba la dimensión semiótica del cine, consignando en su obra Cinéma: langue ou language? (1964), la posibilidad del cine como lenguaje desde la conjunción de la imagen lineal, siendo complementado por Pier Paolo Passolini y Josef Von Stenberg en cuanto a considerar al cine como el lenguaje que simultáneamente utilizaba la narración escritural y la oral, coincidente con la realidad , jerarquizando su praxis como signo (que objetúa), como índice (al relacionar existencialmente ese objeto) y como símbolo (con contenido significante arbitrario).
Me parece importante hacer mención al trabajo que Cahiers du cinema ha realizado. Esta publicación fundada en 1951 por André Bazin y Jacques Doniol Valcrosse, fue adquiriendo prestigio a nivel mundial, en parte debido al surgimiento de la Nouvelle Vague y sus tendencias en el cine de posguerra europeo, pero también a los análisis que estructuralmente hacía al reseñar un cine hecho con bajos presupuestos, que se hacía en exteriores, que no seguía un lineamiento estructural en su narrativa de guión y que en sus actuaciones era más espontáneo. Incluso reflejaba las bondades de la técnica, ya que al hacer uso de movimientos de cámara evidentes, se requería de aparatos más livianos, por ejemplo el uso de la cámara Cameflex de 35mm o la Éclair de 16mm especial para hacer documentales (por ser más silenciosa). Pero lo que era más destacado en la publicación era hacer énfasis en el cine de autor, es decir en el director, como artífice intelectual y material de la realización cinematográfica.
Cahiers du cinema, contó por aquella época con prestigiosos columnistas que hicieron trabajo de crítica como Claude Chabrol, Eric Rohmer, André Téchiné, Jacques Rivette y otros tantos que sería infinito de mencionar. A todos ellos les unía el interés de especializar la crítica del cine con un sentido epistemológico, a veces convalidando la posición de vanguardia de la cinematografía francesa y europea, y en otras ocasiones destacando o cuestionando la industria del cine estadounidense. (Haciendo excepciones a la regla frente al trabajo del director Don Siegel, por citar un ejemplo de ello).
Hacia las décadas de 1970 y 1980, la influencia del estructuralismo en los ejercicios de crítica, se vieron ambientados en la consideración sobre la producción de sentido, que Roland Barthes analizó paralelamente con la estructura narrativa de la novela y que psicoanalíticamente también halló paralelos entre la experiencia del espectador frente al filme como un fenómeno de fascinación, que Christian Metz explica en su obra El significante imaginario, 1977, como una identificación voyeurista.
Pero Cahiers no fue la única publicación sobre la cual se hizo trabajo de crítica en cine. En esta época surge en los Estados Unidos la revista American cinematographer, en Inglaterra Sight and sound, y en Italia cinema e cinema, Cineforum y Filmcrítica. Temerariamente, la diferencia entre estas publicaciones y Cahiers, radicó en que mientras ésta hacía crítica moral de la imagen, las demás hablaban desde lo antisistémico y con más libertad de análisis.
ESTUDIO DEL SOPORTE
Cualquier publicación periódica, llámese periódico o revista, ha terminado por verse afectado, en los términos actuales de la tecnología. Los costes de impresión, el mantenimiento de las máquinas, el papel y otros insumos han hecho que algunas publicaciones opten por el recurso de hacer ediciones complementarias o de carácter virtual por medio del recurso de la informática, a través de la internet, algunas casas editoriales han hallado la fórmula de “vencer” la inmediatez del suceso o noticia ocurrida, con una simple adición en un texto o una imagen que permita así a sus lectores, mantenerlos en una sensación de “estar al día en la información”, con el consecuente motivo de incentivar a realizar una compra adicional de la edición de tiraje extraordinario o vespertino o a primera hora de la mañana.
Sin embargo, los contenidos de los periódicos o revistas virtuales, no poseen en profundidad ni en calidad o cantidad, las mismas enunciaciones halladas en las ediciones impresas. Podría decirse, que no es muy cómodo “leer” en la pantalla de un ordenador, la disposición de la información encontrada en este mecanismo, tiene que ser necesariamente más visual, para atracción del lector que visite sus páginas web. Los gráficos, los enlaces, las fotografías y los archivos en audio y vídeo son el centro de la atención, a la necesidad de informarse rápidamente sobre el acontecimiento, pues para ello la edición impresa, permite adentrar más puntual y profundamente en el contenido que se quiere leer. El vínculo de las publicaciones virtuales halla una razón de ser entendida en la lógica del consumo; -el mercado de lectores se halla siempre fecundo en una edición impresa, que “complementa” los contenidos de una edición digital, que anuncia “los extras” de las noticias más relevantes, el capitalismo halla así una interesante forma de evolución, que mantiene las cosas en un sitio natural.
La democratización del acceso, producción y difusión de la información por medio de la internet, queda en cuestionamiento ante las anteriores argumentaciones. Sin embargo es interesante observar, cómo han surgido unas particulares apropiaciones del público frente a la pertenencia y circulación de los contenidos informativos. Los blogs o páginas personalizadas son un claro ejemplo de ello:- en los últimos diez años, pueden contarse por miles de millones, los sitios que de alguna forma plasman una tendencia a socializar, divulgar y compartir un modo de pensamiento, que merece ser estudiado.
MODELOS DE CRITICAR: DEL IMPRESO AL BLOG
Para André Bazin, el quehacer del crítico se resume de la siguiente manera: “La función del crítico no es la de brindar una verdad que no existe sino de prolongar lo más lejos posible, en la inteligencia y sensibilidad de los que lo leen, el impacto de la obra de arte”. (1)
Un modelo que resume el formato empleado por Cahiers du Cinema, en la elaboración de diversos ejercicios de escritura, aplicados en crítica cinematográfica, se halla en el siguiente artículo, (fragmento publicado en marzo de 1955, arts. 9-15), y que hace su apertura con una presentación introductoria, en términos sencillos, claros y que son fácilmente comprensibles:
“LA LECCION DE ESTILO DEL CINE JAPONES
La revelación del cine japonés es sin duda el acontecimiento más importante desde el neorrealismo italiano. Lo hemos descubierto con mucho retraso, un retraso que desmiente además que el cine sea un arte de difusión geográfica amplia y rápida por oposición a las artes tradicionales que solo cuentan con la ayuda del tiempo…otra vez en un festival, el de Venecia de 1952, con el lanzamiento de Rashomon se ha abierto un mercado occidental para esta producción de la que habíamos podido admirar ya, tanto en los festivales como en algunas salas públicas (Pag,195).” (2)
La complementación de los argumentos, fueron utilizados por Bazin, para describir comparativamente, los diversos sentidos de lo estético y de gusto, como justificación que sustente el interés temático del articulo (en este caso del estilo de cine hecho en el Japón de las posguerra), pero manteniéndose con la enunciación de referentes de orden fílmico (especialmente franceses). Veamos otro fragmento del mencionado artículo:
“NOBLEZA DEL MELODRAMA
Estas ultimas semanas pudimos ver precisamente lo que era un “melo” japonés” Le Demon Dore, en efecto es solamente un melodrama naturalista…pero prefiero mil veces este “melo” a nuestras películas “psicológicas”. Nuestro melodrama perdió, en efecto, desde hace un siglo casi toda su virtud dramática, solo sobrevive en su parodia…es cierto que la misma intriga, adaptada a Francia, se hubiera salvado del ridículo únicamente gracias a la pretensión, seudo-psicologica…pero, en fin, es verdad que, a pesar de una dirección muy cuidada también y de su técnica del color, quizás mas perfecta. Le Demon Dore, nos parece muy inferior a La Porte de L`enfer, lo que nos confirma retrospectivamente nuestro sentido de admiración…!que suerte tiene un país donde la película mas criticada aparece ante nuestros ojos como un milagro de equilibrio y perfección! (Pág. 197).” (3)
Otros apartes ejemplifican más concienzudamente la relación entre la apreciación de los públicos respecto de un filme, en relación análoga a la experiencia estética del arte en su sentido tradicional, pero que sirve para complementar el argumento propuesto:
“A veces nos quedamos sorprendidos e irritados al saber que los americanos aprecian La Fille du Poisatier o Souls le ciel de Paris…nos gustaría que a los extranjeros les gustase otra cosa en nuestra producción…creo que estas discordancias de juicio no se explican solamente por la diferencia de gustos nacionales y de criterios admitidos generalmente por los críticos del lugar. Jacques Doniol-Valcrosse analizo una vez las criticas inglesas a películas francesas, pudimos darnos cuenta, en efecto de que no coincidían casi nunca con las nuestras pero estas discordancias no llegaban hasta la contradicción, la equivocación de la que hablo es mucho mas grave y solo se puede producir entre unos públicos bastante alejados por la geografía y la mentalidad, y es fruto de un conocimiento muy parcial de la producción en cuestión… ¿estamos francamente seguros de que la Venus de Milo sea uno de los mejores ejemplos de la estatuaria de su época? Lo que admiramos realmente en ella es un momento determinado del arte griego (págs. 198-199).” (4)
Un modelo de cómo Cahiers du Cinema hacia critica sobre un filme en particular, tomaba como punto característico una contextualización previa que ubicaba al filme en relación con otros producidos anteriormente y que tenían una línea temática similar. Veamos:
“LOS SIETE SAMURAIS
Esta de moda mostrarse despectivo hacia las películas japonesas y dejar entender que el exotismo abusa de la admiración de los ingenuos…tomemos buena nota, si acudimos a la clasificación de las películas japonesas por la critica japonesa, publicada en el excelente numero de Cinema 55 (n.6 junio-julio) veremos que Rashomon estaba clasificado en quinta posición en 1950, L` Histoire de Genji en séptima en 1951, Okasan en novena en 1952, Los Cuentos de la Luna Pálida en tercera en 1953 y Siete Samuráis hoy en 1954…Estoy de acuerdo en que no se trata quizás y en absoluto de lo mejor de la producción japonesa…los siete samuráis demuestran una asimilación demasiado fácil de algunos elementos de la estética occidental y de la amalgama brillante con la tradición japonesa. Se trata pues de la estructura narrativa que es diabólicamente ingeniosa, que cuida de su progresión con una inteligencia tanto mas desconcertante cuanto que respeta el ritmo novelesco, el desarrollo progresivo de un relato de larga duración (Págs. 207-208)” (5)
Así mismo, este ejercicio escritural que sirve como un pre-contexto a la introducción temática del filme se halla concluida con una presentación muy breve del mismo y una conclusión:
“Lo podemos resumir en pocas palabras. Un pueblo periódicamente saqueado por una pandilla de bandidos recluta a siete samuráis para protegerle contra un próximo ataque. Los cuarenta bandidos son destruidos uno tras otro aunque llevan arma de fuego casi desconocidas en el Japón del siglo XVI, cuatro samuráis mueren pero el pueblo puede seguir plantando tranquilamente el arroz. Lo que constituye el ingenio y la belleza de esta historia es la conexión que existe entre la sencillez de su línea general y la riqueza de los detalles que la describen poco a poco. Este tipo de relato hace pensar evidentemente en La Diligencia y en La Patrulla Perdida, pero con una complejidad mas novelesca, con mas amplitud y variedad en el fresco (pág. 209) “(6)
De otro lado, un modelo sobre cómo hacer crítica en la blogoesfera, nos lo proporciona, el sitio web: www.juankazinetkblogspot.com, que hace escrituras obedeciendo al interés de ser muy puntual, preciso y breve en los artículos que contiene, aquí cobra relevancia la presencia de lo que se denomina como “editorial”, que tiene como fin informar más que hacer critica. Veamos el siguiente fragmento:
“Durante el mes de MARZO, tenemos interesantes artículos a comentar. EL CLASICO DEL RECUERDO, de la mano de nuestro colaborador ANDRES ARCE, reseñará el filme 2001 ODISEA EN EL ESPACIO, de STANLEY KUBRICK, LA PEOR PELICULA, presentará este mes al ya fallecido CHRIS FARLEY en UN NINJA EN BEVERLY HILLS, nuestra sección de musicales, presentará a MATTHEW BRODERICK y NATHAN LANE y WILL FERRELL, en la cinta de MEL BROOKS, LOS PRODUCTORES, Infonoticias hará una síntesis de los galardonados en los ACADEMY AWARDS 2009 y en nuestra sección del RECOMENDADO DEL MES estará la cinta de RIDLEY SCOTT, BLACK RAIN, protagonizada por MICHAEL DOUGLAS, ANDY GARCIA, KEN TAKAKURA Y YUSAKU MATSUDA”.
Haciendo una descripción, este sitio web, adapta de la edición impresa, el sentido de la cronología, al hacer una delimitación en el tiempo de la publicación, o sea haciendo referencia al mes, a las secciones que contiene, haciendo en su presentación una delimitación por genero de cada filme a ser criticado y que por cierto se enuncia el titulo del filme y variando el caso, incluye el nombre del director o del reparto. Como adición final se incluye un aparte noticioso. Veamos otro aparte que incluye un artículo del filme Black Rain, publicado
“Hacer un filme de acción, no es tarea fácil, y menos cuando se tiene que buscar una justificación, que acredite tal esfuerzo, BLACK RAIN fue un ejemplo que demostró que el género, cuando se hace responsablemente y con un buen guión, todo queda en agradecimientos y buenos recuerdos.
Este filme del año 1989, fue uno de los primeros del director RIDLEY SCOTT, (ya había hecho BLADE RUNNER) aunque plasma los estereotipos que desde el mundo policíaco occidental, se tienen sobre las culturas orientales. Esta es una de las razones por las cuales este filme debe verse, porque hacer una lectura simple del mismo, nos llevaría a prejuicios. Esta cinta, debe verse pues, analizando otros aspectos que se van descubriendo, poco a poco. Como cuando se saca agua de un pozo. ¿Complicado? veamos porqué este planteamiento”.
Lo primero que se debe analizar es la forma en que se narra, tiene un estilo más ligero que el que podría encontrarse en una edición impresa, el uso de adjetivos como “responsablemente”, puede leerse como el resultado de un proceso coherente, pero que se queda en la mera designación de “buen guion” sin decir el porque, concluyendo con un juicio estético, que denota claramente una posición frente al filme, que se argumenta en una justificación para verlo. Es decir la dimensión de la apreciación halla su resultado de la subjetivizacion de la experiencia de quien ya vio el filme, hablando objetivamente. Veamos otro aparte:
“El honor, la lealtad y la valentía son elementos argumentales, que dan acompañamiento a una historia, que lleva a los detectives NICK CONKLIN (MICHAEL DOUGLAS) y CHARLIE VINCENT (ANDY GARCIA) a situarse en la persecución de un japonés perteneciente a las nuevas generaciones YAKUZA, más ligadas al enriquecimiento desmedido, la inmoralidad y la deslealtad sin límites. El antagónico lo interpretó YUSAKU MATSUDA, lástima que un cáncer se lo llevaría para siempre ese mismo año. Su personaje SATO, fue un reto actoral muy importante para él, ya que siempre había hecho estelarizaciones para la televisión nipona como detective de policía (JEANS DETECTIVE y TANTEI MONOGATARI son un ejemplo de ello).”
Aquí, no existe una estructura definida de la sinopsis, porque aunque comienza con unas líneas argumentativas sobre la forma en que se compone la historia, esta termina enunciando a los personajes y sus intérpretes, fusionándolo con datos de desempeño profesional del antagonista. Es un texto de composición doble, que es impreciso, pero que busca situar al lector en la lógica del medio virtual, haciendo saltos una y otra vez. El articulo continua así.
“La cultura japonesa se refleja en el escenario mafioso con las contextualizaciones de xenofobia (El trato frente a la mujer occidental interpretada por KATE CAPSHAW, es una muestra de ello) y el aislamiento del estamento criminal, que como entre otros aspectos de la cultura nipona, no permite un acceso directo a los occidentales. (Aquí la figura del OYABUN o jefe de capo, se nos muestra severa y dispuesta a hacer justicia, al modo tradicional yakuza interpretado por TOMISABURO WAKAYAMA) El rito de cortarse el dedo ante el consejo YAKUZA, es también iconoclástico en estos filmes y por último la SUBCULTURA URBANA BOSOZOKU, que es la versión nipona de las bandas de motociclistas que adaptan sus aparatos de manera sofisticada (son unas Suzuki GSX-R 1100 Y 750R) y que por lo menos en esta cinta, pertenecen a actividades criminales, complementando así un cuadro fílmico interesante de ver.”
Es relevante el hecho de la descripción de la contextualización. Aquí cobra sentido al mencionar un aspecto puntual de la sociedad japonesa, que se ubica en el entorno urbano contemporáneo, desde la criminalidad, se exotizan la xenofobia, la amputación de los dedos y el pandillismo motorizado, con argumentos que pueden hacerle creer al lector, como factores de presencia obligatoria y común en el contexto mafioso japonés. Se vuelve a hacer visible el hecho de mencionar muchos datos sueltos, sin contenidos de fondo histórico o social más profundos. Veamos la parte final del artículo:
“En los aspectos técnicos, este filme contó con la banda sonora producida por HANS ZIMMER Y GREEG ALLMAN siendo una de las primeras cintas que incorporaron elementos de percusión electrónica y sinfónica con ritmos orientales en un filme. La edición impecable trabajo de TOM ROLF, le llevo a BLACK RAIN a obtener dos nominaciones a los OSCAR por MEJOR SONIDO y MEJORES EFECTOS DE SONIDO. Prueba de ello lo consignamos en los videos del tráiler musical y de la escena final de la cinta…En definitiva, un filme que vale la pena ver, porque va más allá de lo que convencionalmente nos hemos formado sobre las cintas de acción”. (7)
Se incorpora un aspecto de la realización que es considerado relevante, bien porque fue una innovación técnica en la banda sonora o porque obtuvo dos nominaciones al Academy Award. Aquí el juicio valorativo busca el apoyo del video tanto en el tráiler del filme, que buscan reflejar puntualmente un detalle que le de la razón al critico frente al lector.
CONCLUSIONES GENERALES
Después de haber hecho una breve reseña sobre la forma y tendencias que han tenido las formas de hacer ejercicios de escritura en critica cinematográfica y las diferencias halladas con dos ejemplos puntuales sobre el soporte en impreso (Cahiers du Cinema) y el blog Juankazinetk, concluyo lo siguiente:
-El medio impreso, tiene la ventaja de la profundidad y el análisis. La forma monolítica y permanente de presentar la información, crea un proceso de dialogo con los argumentos allí expuestos, que lógicamente obedecen a construir un juicio por etapas.
-El medio virtual, tiene la ventaja de la inmediatez. Para ello no requiere tener argumentos extensos o profundos como el medio impreso, vale el recurso de la enunciación efímera y que sea multidireccional. Es decir se enuncian muchas cosas como forma de dar un cuerpo a la posición del crítico, sin obedecer a una estructura rígida o de pensamiento establecido.
-La visualidad en el medio impreso es hecha texto. Aunque no dispuse de una estructura de diagramación de Cahiers, en términos generales incluye las fotografías de los directores o pequeños fotogramas de los filmes, por la naturaleza del soporte, son imágenes fijas, a blanco y negro o color.
-Por el contrario, en el medio virtual, el soporte permite el recurso multimedial de la imagen hecha fotografía y video. Es un complemento de la espectacularidad propia de los mass media actuales, que se emplea para construir nociones solamente.
-El medio impreso tiene el aura del prestigio. Y más aun cuando un escritor que hace critica, tiene reconocimiento por su experiencia académica, laboral y por el circuito en el que se halla inmerso. La credibilidad que impone su argumentación no genera la sensación de incertidumbres generalizadas. Esto es un hecho que ocurre en cualquier parte del mundo.
-El medio virtual, aun posee un estigma de informalidad que le genera consideraciones ligeras de clase, ya que los circuitos que permea son diferentes: en algunos casos paralelamente con la institucionalidad del periodismo especializado, en otros intentando mostrar otra cara del ejercicio de crítica. Este carácter de improvisación puede llevar a pensar que se trata de textos copiados y duplicados infinitas veces, aquí no hay autorías claras o reconocidas, y pareciera que esto no es importante saberlo, presuntamente la intención es llevar el reconocimiento a la dimensión de la derrota como fin.
-Sin embargo, ambos soportes aquí generan una formación de públicos, porque para el caso en cuestión, el cine y su ejercicio de critica, tienen una orientación que busca de un lado, la formación de una especialización y profundización de la apreciación como concepto, faceta en la que es contundente el medio impreso, por el otro, también promueve la exploración primaria y superficial, siendo ambas un complemento necesario. Ya que es imposible hacer exigencias que no se adecuen a la naturaleza del soporte, el texto impreso y virtual cumple propósitos diferentes.
-El aspecto de la critica también es dimensionado distintamente en ambos soportes, porque mientras es: “una forma especializada de periodismo cultural…en el que se aventura una interpretación intelectual “(8), en el soporte virtual, la critica se define mas como una compilación que es mas una muestra de postura en el aspecto de la apreciación. Entonces se cumple así un aspecto pedagógico igualmente diferente, la especialización hace crítica para doctos, la apreciación se queda para los profanos.
Notas
1, 2, 3, 4, 5 y 6.Bazin André, El cine de la crueldad, de Buñuel a Hitchcock. Ediciones Mensajero. Bilbao España 1977
7. www.juankazinetkblospot.com articulo del 3 marzo de 2009.
8. Ponce de león Carolina. El efecto mariposa, ensayos sobre arte en Colombia 1985-2000 Panamericana de Formas e Impresos. Bogotá 2005 pág. 240.
Presentado a LUISA UNGAR
Podría pensarse, que la necesidad recurrente del ser humano por proyectarse más allá de sí, por medio de cualquier acción social como la danza, el canto, la literatura, la práctica de algún hobby o manualidad o el despliegue de algún interés, es fruto de un sentido del hacer algo, que puede obedecer incluso a un sentimiento de vanidad que merece ser reconocido o por lo menos exteriorizado frente al otro. La noción de autoridad es así mismo un deseo que aflora dentro de nosotros y que orgásmicamente se ve recompensado con el reconocimiento ajeno.
Esa necesidad de reconocimiento, de sentido de autoridad, derivada del poder que otorga el conocer sobre algo o sobre alguien, es lo que legitima, creando una relación de confianza, de credibilidad y de elaboración de sentido. Desde el mundo del arte, los textos de Vasari sobre los datos biográficos de los artistas del Renacimiento se tomaron como referente para hacer compilaciones enciclopédicas, que con el devenir de los tiempos y contextos, fueron constituyendo la institucionalización del periodismo especializado, que desde el arte y desde las diversas ínsulas de este campo como las prácticas plásticas tradicionales y las más vanguardistas, surtió todo un mar de posiciones, saberes y posturas que hacen del ejercicio de escritura crítica un conjunto de saberes que se legitiman e institucionalizan. Sirviendo al propósito de la academia al ser referentes de saber.
La evolución de este periodismo especializado, devino primero desde las secciones de crítica literaria en los periódicos de antaño, donde novelas, cuentos y relatos eran reseñados en cuanto a las referencias biográficas de quien los escribió, en cuanto al contenido y que posteriormente incluyeron muestras de arte en galerías y museos, en algunos casos surgiendo así la primeros publicaciones especializadas.
Para una mejor comprensión de la temática referente a la producción del ejercicio de crítica en el campo cinematográfico, haré una breve referencia histórica sobre el desarrollo que ha tenido esta práctica, desde el surgimiento del cine y las nuevas implicancias que mediante el uso del internet ha derivado en una postura anti-institucional.
Se puede decir que el ejercicio de crítica surgió con los trabajos de G. Lukács, en su obra Reflexiones sobre la estética del cine, (1913). Donde aborda al cine estéticamente como un escenario de simulacros que es inerte, en comparación con el teatro. Hacia 1924, Bela Balazs, enuncia la importancia del cine como una nueva estética que puede suscitar multiplicidad de interpretaciones, pero claro está en el marco del cine mudo, esencia que a su propio sentir se veía amenazada por la introducción del sonido. Los aportes del formalismo ruso, acotaron la necesidad de incluir al cine como arte que deformaba la perspectiva y resaltaba la importancia del montaje en la producción, como elemento que podía estar al servicio de una causa política. Siguiendo los parámetros de la lingüística de Ferdinand de Saussure, que siendo precursor del estructuralismo, llevó a realizadores como Eisenstein y Vertov, a encausar sus producciones con particularidades de significantes y significados que cumplían funciones de masificación de la imagen cinematográfica a públicos más extensos.
Sin embargo los aportes de Rudolf Arnheim y Walter Benjamin, enriquecieron el debate sobre el papel que vendrían a desempeñar los críticos y su praxis en el campo del cine. Arnheim, en su obra El cine como arte, (1932) siguiendo los postulados Sausserianos, reconoce la necesidad de conferir a el lenguaje cinematográfico una autonomía en el campo de la lingüística, siendo complementado por Benjamin, quien en su obra La obra de arte en la era de su reproducción técnica, (1936) afirmara que la percepción que logra el cine entre el público de masas, despoja al arte tradicional de un aura de erotización, lo cual podía ser potencializado en la difusión de un adoctrinamiento al servicio del marxismo. Pero el punto más interesante del desarrollo de la crítica cinematográfica vendría en el período de posguerra con André Bazin. Quien de manera paralela vendría desarrollando un análisis entre el neorrealismo presentado en el cine italiano con realizadores como Luchino Visconti, Roberto Rossellini y Vittorio de Sica.
Entre los aportes de Bazin, está el hecho de haber sido el primero en mencionar la autenticidad de la objetividad de la fotografía Cinematográfica, como elemento validante de la realidad social. Siendo importante para Bazin, el hecho de la aplicación del plano secuencia y la profundidad de campo, técnicas que desde el neorrealismo servían para objetuar la realidad y su contexto, como experiencia de vida, algo que el cine de Hollywood no lograba hacer, por su requerimiento sujeto al entretenimiento.
Sin embargo, la crítica también tuvo un punto de desarrollo bastante interesante en Hollywood, cuando a mediados de la década de 1940, surge el género del cine negro, que aunque en un comienzo, no se sabía como abordarlo, bien como estilo, movimiento o moda, terminó siendo considerado un interesante estudio sicoanalítico, que abordaba una estética oscura y pesimista. Ejemplo de ello fue el filme que abriría este género fue El Halcón Maltés de 1941, dirigida por Jhon Huston. El hecho de hacer explícito la atmósfera de crisis de las sociedades modernas, los ambientes barriales y cercanos al mundo de la delincuencia, los planos que incluían la sombra reflejada por los rostros, los escenarios sombríos y deprimentes que mostraban el lado oculto del sueño americano, fueron considerados por la crítica como elementos que evidenciaban cambios sociales en los Estados Unidos, especialmente frente a la posición de la mujer como agente emancipado del hombre.
Con la llegada de la Nouvelle vague (o movimiento de la nueva ola) hacia la década de los 60, el cine experimentó la experiencia de la ruptura con el canon academicista, siendo los realizadores de esta época casi todos provenientes del escenario de la crítica cinematográfica,
Como Jean Luc Godard, Francois Truffaut y Alain Resnais. Cahiers du Cinema, en esa época centraba sus argumentos a favor del rejuvenecimiento que el Free Cinema Británico y el Neorrealismo Italiano, llevaron a crear nuevos paradigmas de producción y realización en la industria fílmica europea, con nuevas propuestas cinematográficas en diversos géneros. Desde los documentales de Costeau que mostraban el escenario de las profundidades del mar, a manera de una narrativa propia del capitán Nemo en el Nautilus (con el empleo de cámaras y equipos de buceo revolucionariamente novedosos para la época), hasta la consagración de nuevas generaciones de actores como Jean Paul Belmondo o Bernadette Laffont, que generaron en los públicos una sensación de autoreconocimiento, por sus interpretaciones improvisadas y más cercanas a las vivencias del sujeto, frente a situaciones cotidianas. Simultáneamente, Christian Metz, planteaba la dimensión semiótica del cine, consignando en su obra Cinéma: langue ou language? (1964), la posibilidad del cine como lenguaje desde la conjunción de la imagen lineal, siendo complementado por Pier Paolo Passolini y Josef Von Stenberg en cuanto a considerar al cine como el lenguaje que simultáneamente utilizaba la narración escritural y la oral, coincidente con la realidad , jerarquizando su praxis como signo (que objetúa), como índice (al relacionar existencialmente ese objeto) y como símbolo (con contenido significante arbitrario).
Me parece importante hacer mención al trabajo que Cahiers du cinema ha realizado. Esta publicación fundada en 1951 por André Bazin y Jacques Doniol Valcrosse, fue adquiriendo prestigio a nivel mundial, en parte debido al surgimiento de la Nouvelle Vague y sus tendencias en el cine de posguerra europeo, pero también a los análisis que estructuralmente hacía al reseñar un cine hecho con bajos presupuestos, que se hacía en exteriores, que no seguía un lineamiento estructural en su narrativa de guión y que en sus actuaciones era más espontáneo. Incluso reflejaba las bondades de la técnica, ya que al hacer uso de movimientos de cámara evidentes, se requería de aparatos más livianos, por ejemplo el uso de la cámara Cameflex de 35mm o la Éclair de 16mm especial para hacer documentales (por ser más silenciosa). Pero lo que era más destacado en la publicación era hacer énfasis en el cine de autor, es decir en el director, como artífice intelectual y material de la realización cinematográfica.
Cahiers du cinema, contó por aquella época con prestigiosos columnistas que hicieron trabajo de crítica como Claude Chabrol, Eric Rohmer, André Téchiné, Jacques Rivette y otros tantos que sería infinito de mencionar. A todos ellos les unía el interés de especializar la crítica del cine con un sentido epistemológico, a veces convalidando la posición de vanguardia de la cinematografía francesa y europea, y en otras ocasiones destacando o cuestionando la industria del cine estadounidense. (Haciendo excepciones a la regla frente al trabajo del director Don Siegel, por citar un ejemplo de ello).
Hacia las décadas de 1970 y 1980, la influencia del estructuralismo en los ejercicios de crítica, se vieron ambientados en la consideración sobre la producción de sentido, que Roland Barthes analizó paralelamente con la estructura narrativa de la novela y que psicoanalíticamente también halló paralelos entre la experiencia del espectador frente al filme como un fenómeno de fascinación, que Christian Metz explica en su obra El significante imaginario, 1977, como una identificación voyeurista.
Pero Cahiers no fue la única publicación sobre la cual se hizo trabajo de crítica en cine. En esta época surge en los Estados Unidos la revista American cinematographer, en Inglaterra Sight and sound, y en Italia cinema e cinema, Cineforum y Filmcrítica. Temerariamente, la diferencia entre estas publicaciones y Cahiers, radicó en que mientras ésta hacía crítica moral de la imagen, las demás hablaban desde lo antisistémico y con más libertad de análisis.
ESTUDIO DEL SOPORTE
Cualquier publicación periódica, llámese periódico o revista, ha terminado por verse afectado, en los términos actuales de la tecnología. Los costes de impresión, el mantenimiento de las máquinas, el papel y otros insumos han hecho que algunas publicaciones opten por el recurso de hacer ediciones complementarias o de carácter virtual por medio del recurso de la informática, a través de la internet, algunas casas editoriales han hallado la fórmula de “vencer” la inmediatez del suceso o noticia ocurrida, con una simple adición en un texto o una imagen que permita así a sus lectores, mantenerlos en una sensación de “estar al día en la información”, con el consecuente motivo de incentivar a realizar una compra adicional de la edición de tiraje extraordinario o vespertino o a primera hora de la mañana.
Sin embargo, los contenidos de los periódicos o revistas virtuales, no poseen en profundidad ni en calidad o cantidad, las mismas enunciaciones halladas en las ediciones impresas. Podría decirse, que no es muy cómodo “leer” en la pantalla de un ordenador, la disposición de la información encontrada en este mecanismo, tiene que ser necesariamente más visual, para atracción del lector que visite sus páginas web. Los gráficos, los enlaces, las fotografías y los archivos en audio y vídeo son el centro de la atención, a la necesidad de informarse rápidamente sobre el acontecimiento, pues para ello la edición impresa, permite adentrar más puntual y profundamente en el contenido que se quiere leer. El vínculo de las publicaciones virtuales halla una razón de ser entendida en la lógica del consumo; -el mercado de lectores se halla siempre fecundo en una edición impresa, que “complementa” los contenidos de una edición digital, que anuncia “los extras” de las noticias más relevantes, el capitalismo halla así una interesante forma de evolución, que mantiene las cosas en un sitio natural.
La democratización del acceso, producción y difusión de la información por medio de la internet, queda en cuestionamiento ante las anteriores argumentaciones. Sin embargo es interesante observar, cómo han surgido unas particulares apropiaciones del público frente a la pertenencia y circulación de los contenidos informativos. Los blogs o páginas personalizadas son un claro ejemplo de ello:- en los últimos diez años, pueden contarse por miles de millones, los sitios que de alguna forma plasman una tendencia a socializar, divulgar y compartir un modo de pensamiento, que merece ser estudiado.
MODELOS DE CRITICAR: DEL IMPRESO AL BLOG
Para André Bazin, el quehacer del crítico se resume de la siguiente manera: “La función del crítico no es la de brindar una verdad que no existe sino de prolongar lo más lejos posible, en la inteligencia y sensibilidad de los que lo leen, el impacto de la obra de arte”. (1)
Un modelo que resume el formato empleado por Cahiers du Cinema, en la elaboración de diversos ejercicios de escritura, aplicados en crítica cinematográfica, se halla en el siguiente artículo, (fragmento publicado en marzo de 1955, arts. 9-15), y que hace su apertura con una presentación introductoria, en términos sencillos, claros y que son fácilmente comprensibles:
“LA LECCION DE ESTILO DEL CINE JAPONES
La revelación del cine japonés es sin duda el acontecimiento más importante desde el neorrealismo italiano. Lo hemos descubierto con mucho retraso, un retraso que desmiente además que el cine sea un arte de difusión geográfica amplia y rápida por oposición a las artes tradicionales que solo cuentan con la ayuda del tiempo…otra vez en un festival, el de Venecia de 1952, con el lanzamiento de Rashomon se ha abierto un mercado occidental para esta producción de la que habíamos podido admirar ya, tanto en los festivales como en algunas salas públicas (Pag,195).” (2)
La complementación de los argumentos, fueron utilizados por Bazin, para describir comparativamente, los diversos sentidos de lo estético y de gusto, como justificación que sustente el interés temático del articulo (en este caso del estilo de cine hecho en el Japón de las posguerra), pero manteniéndose con la enunciación de referentes de orden fílmico (especialmente franceses). Veamos otro fragmento del mencionado artículo:
“NOBLEZA DEL MELODRAMA
Estas ultimas semanas pudimos ver precisamente lo que era un “melo” japonés” Le Demon Dore, en efecto es solamente un melodrama naturalista…pero prefiero mil veces este “melo” a nuestras películas “psicológicas”. Nuestro melodrama perdió, en efecto, desde hace un siglo casi toda su virtud dramática, solo sobrevive en su parodia…es cierto que la misma intriga, adaptada a Francia, se hubiera salvado del ridículo únicamente gracias a la pretensión, seudo-psicologica…pero, en fin, es verdad que, a pesar de una dirección muy cuidada también y de su técnica del color, quizás mas perfecta. Le Demon Dore, nos parece muy inferior a La Porte de L`enfer, lo que nos confirma retrospectivamente nuestro sentido de admiración…!que suerte tiene un país donde la película mas criticada aparece ante nuestros ojos como un milagro de equilibrio y perfección! (Pág. 197).” (3)
Otros apartes ejemplifican más concienzudamente la relación entre la apreciación de los públicos respecto de un filme, en relación análoga a la experiencia estética del arte en su sentido tradicional, pero que sirve para complementar el argumento propuesto:
“A veces nos quedamos sorprendidos e irritados al saber que los americanos aprecian La Fille du Poisatier o Souls le ciel de Paris…nos gustaría que a los extranjeros les gustase otra cosa en nuestra producción…creo que estas discordancias de juicio no se explican solamente por la diferencia de gustos nacionales y de criterios admitidos generalmente por los críticos del lugar. Jacques Doniol-Valcrosse analizo una vez las criticas inglesas a películas francesas, pudimos darnos cuenta, en efecto de que no coincidían casi nunca con las nuestras pero estas discordancias no llegaban hasta la contradicción, la equivocación de la que hablo es mucho mas grave y solo se puede producir entre unos públicos bastante alejados por la geografía y la mentalidad, y es fruto de un conocimiento muy parcial de la producción en cuestión… ¿estamos francamente seguros de que la Venus de Milo sea uno de los mejores ejemplos de la estatuaria de su época? Lo que admiramos realmente en ella es un momento determinado del arte griego (págs. 198-199).” (4)
Un modelo de cómo Cahiers du Cinema hacia critica sobre un filme en particular, tomaba como punto característico una contextualización previa que ubicaba al filme en relación con otros producidos anteriormente y que tenían una línea temática similar. Veamos:
“LOS SIETE SAMURAIS
Esta de moda mostrarse despectivo hacia las películas japonesas y dejar entender que el exotismo abusa de la admiración de los ingenuos…tomemos buena nota, si acudimos a la clasificación de las películas japonesas por la critica japonesa, publicada en el excelente numero de Cinema 55 (n.6 junio-julio) veremos que Rashomon estaba clasificado en quinta posición en 1950, L` Histoire de Genji en séptima en 1951, Okasan en novena en 1952, Los Cuentos de la Luna Pálida en tercera en 1953 y Siete Samuráis hoy en 1954…Estoy de acuerdo en que no se trata quizás y en absoluto de lo mejor de la producción japonesa…los siete samuráis demuestran una asimilación demasiado fácil de algunos elementos de la estética occidental y de la amalgama brillante con la tradición japonesa. Se trata pues de la estructura narrativa que es diabólicamente ingeniosa, que cuida de su progresión con una inteligencia tanto mas desconcertante cuanto que respeta el ritmo novelesco, el desarrollo progresivo de un relato de larga duración (Págs. 207-208)” (5)
Así mismo, este ejercicio escritural que sirve como un pre-contexto a la introducción temática del filme se halla concluida con una presentación muy breve del mismo y una conclusión:
“Lo podemos resumir en pocas palabras. Un pueblo periódicamente saqueado por una pandilla de bandidos recluta a siete samuráis para protegerle contra un próximo ataque. Los cuarenta bandidos son destruidos uno tras otro aunque llevan arma de fuego casi desconocidas en el Japón del siglo XVI, cuatro samuráis mueren pero el pueblo puede seguir plantando tranquilamente el arroz. Lo que constituye el ingenio y la belleza de esta historia es la conexión que existe entre la sencillez de su línea general y la riqueza de los detalles que la describen poco a poco. Este tipo de relato hace pensar evidentemente en La Diligencia y en La Patrulla Perdida, pero con una complejidad mas novelesca, con mas amplitud y variedad en el fresco (pág. 209) “(6)
De otro lado, un modelo sobre cómo hacer crítica en la blogoesfera, nos lo proporciona, el sitio web: www.juankazinetkblogspot.com, que hace escrituras obedeciendo al interés de ser muy puntual, preciso y breve en los artículos que contiene, aquí cobra relevancia la presencia de lo que se denomina como “editorial”, que tiene como fin informar más que hacer critica. Veamos el siguiente fragmento:
“Durante el mes de MARZO, tenemos interesantes artículos a comentar. EL CLASICO DEL RECUERDO, de la mano de nuestro colaborador ANDRES ARCE, reseñará el filme 2001 ODISEA EN EL ESPACIO, de STANLEY KUBRICK, LA PEOR PELICULA, presentará este mes al ya fallecido CHRIS FARLEY en UN NINJA EN BEVERLY HILLS, nuestra sección de musicales, presentará a MATTHEW BRODERICK y NATHAN LANE y WILL FERRELL, en la cinta de MEL BROOKS, LOS PRODUCTORES, Infonoticias hará una síntesis de los galardonados en los ACADEMY AWARDS 2009 y en nuestra sección del RECOMENDADO DEL MES estará la cinta de RIDLEY SCOTT, BLACK RAIN, protagonizada por MICHAEL DOUGLAS, ANDY GARCIA, KEN TAKAKURA Y YUSAKU MATSUDA”.
Haciendo una descripción, este sitio web, adapta de la edición impresa, el sentido de la cronología, al hacer una delimitación en el tiempo de la publicación, o sea haciendo referencia al mes, a las secciones que contiene, haciendo en su presentación una delimitación por genero de cada filme a ser criticado y que por cierto se enuncia el titulo del filme y variando el caso, incluye el nombre del director o del reparto. Como adición final se incluye un aparte noticioso. Veamos otro aparte que incluye un artículo del filme Black Rain, publicado
“Hacer un filme de acción, no es tarea fácil, y menos cuando se tiene que buscar una justificación, que acredite tal esfuerzo, BLACK RAIN fue un ejemplo que demostró que el género, cuando se hace responsablemente y con un buen guión, todo queda en agradecimientos y buenos recuerdos.
Este filme del año 1989, fue uno de los primeros del director RIDLEY SCOTT, (ya había hecho BLADE RUNNER) aunque plasma los estereotipos que desde el mundo policíaco occidental, se tienen sobre las culturas orientales. Esta es una de las razones por las cuales este filme debe verse, porque hacer una lectura simple del mismo, nos llevaría a prejuicios. Esta cinta, debe verse pues, analizando otros aspectos que se van descubriendo, poco a poco. Como cuando se saca agua de un pozo. ¿Complicado? veamos porqué este planteamiento”.
Lo primero que se debe analizar es la forma en que se narra, tiene un estilo más ligero que el que podría encontrarse en una edición impresa, el uso de adjetivos como “responsablemente”, puede leerse como el resultado de un proceso coherente, pero que se queda en la mera designación de “buen guion” sin decir el porque, concluyendo con un juicio estético, que denota claramente una posición frente al filme, que se argumenta en una justificación para verlo. Es decir la dimensión de la apreciación halla su resultado de la subjetivizacion de la experiencia de quien ya vio el filme, hablando objetivamente. Veamos otro aparte:
“El honor, la lealtad y la valentía son elementos argumentales, que dan acompañamiento a una historia, que lleva a los detectives NICK CONKLIN (MICHAEL DOUGLAS) y CHARLIE VINCENT (ANDY GARCIA) a situarse en la persecución de un japonés perteneciente a las nuevas generaciones YAKUZA, más ligadas al enriquecimiento desmedido, la inmoralidad y la deslealtad sin límites. El antagónico lo interpretó YUSAKU MATSUDA, lástima que un cáncer se lo llevaría para siempre ese mismo año. Su personaje SATO, fue un reto actoral muy importante para él, ya que siempre había hecho estelarizaciones para la televisión nipona como detective de policía (JEANS DETECTIVE y TANTEI MONOGATARI son un ejemplo de ello).”
Aquí, no existe una estructura definida de la sinopsis, porque aunque comienza con unas líneas argumentativas sobre la forma en que se compone la historia, esta termina enunciando a los personajes y sus intérpretes, fusionándolo con datos de desempeño profesional del antagonista. Es un texto de composición doble, que es impreciso, pero que busca situar al lector en la lógica del medio virtual, haciendo saltos una y otra vez. El articulo continua así.
“La cultura japonesa se refleja en el escenario mafioso con las contextualizaciones de xenofobia (El trato frente a la mujer occidental interpretada por KATE CAPSHAW, es una muestra de ello) y el aislamiento del estamento criminal, que como entre otros aspectos de la cultura nipona, no permite un acceso directo a los occidentales. (Aquí la figura del OYABUN o jefe de capo, se nos muestra severa y dispuesta a hacer justicia, al modo tradicional yakuza interpretado por TOMISABURO WAKAYAMA) El rito de cortarse el dedo ante el consejo YAKUZA, es también iconoclástico en estos filmes y por último la SUBCULTURA URBANA BOSOZOKU, que es la versión nipona de las bandas de motociclistas que adaptan sus aparatos de manera sofisticada (son unas Suzuki GSX-R 1100 Y 750R) y que por lo menos en esta cinta, pertenecen a actividades criminales, complementando así un cuadro fílmico interesante de ver.”
Es relevante el hecho de la descripción de la contextualización. Aquí cobra sentido al mencionar un aspecto puntual de la sociedad japonesa, que se ubica en el entorno urbano contemporáneo, desde la criminalidad, se exotizan la xenofobia, la amputación de los dedos y el pandillismo motorizado, con argumentos que pueden hacerle creer al lector, como factores de presencia obligatoria y común en el contexto mafioso japonés. Se vuelve a hacer visible el hecho de mencionar muchos datos sueltos, sin contenidos de fondo histórico o social más profundos. Veamos la parte final del artículo:
“En los aspectos técnicos, este filme contó con la banda sonora producida por HANS ZIMMER Y GREEG ALLMAN siendo una de las primeras cintas que incorporaron elementos de percusión electrónica y sinfónica con ritmos orientales en un filme. La edición impecable trabajo de TOM ROLF, le llevo a BLACK RAIN a obtener dos nominaciones a los OSCAR por MEJOR SONIDO y MEJORES EFECTOS DE SONIDO. Prueba de ello lo consignamos en los videos del tráiler musical y de la escena final de la cinta…En definitiva, un filme que vale la pena ver, porque va más allá de lo que convencionalmente nos hemos formado sobre las cintas de acción”. (7)
Se incorpora un aspecto de la realización que es considerado relevante, bien porque fue una innovación técnica en la banda sonora o porque obtuvo dos nominaciones al Academy Award. Aquí el juicio valorativo busca el apoyo del video tanto en el tráiler del filme, que buscan reflejar puntualmente un detalle que le de la razón al critico frente al lector.
CONCLUSIONES GENERALES
Después de haber hecho una breve reseña sobre la forma y tendencias que han tenido las formas de hacer ejercicios de escritura en critica cinematográfica y las diferencias halladas con dos ejemplos puntuales sobre el soporte en impreso (Cahiers du Cinema) y el blog Juankazinetk, concluyo lo siguiente:
-El medio impreso, tiene la ventaja de la profundidad y el análisis. La forma monolítica y permanente de presentar la información, crea un proceso de dialogo con los argumentos allí expuestos, que lógicamente obedecen a construir un juicio por etapas.
-El medio virtual, tiene la ventaja de la inmediatez. Para ello no requiere tener argumentos extensos o profundos como el medio impreso, vale el recurso de la enunciación efímera y que sea multidireccional. Es decir se enuncian muchas cosas como forma de dar un cuerpo a la posición del crítico, sin obedecer a una estructura rígida o de pensamiento establecido.
-La visualidad en el medio impreso es hecha texto. Aunque no dispuse de una estructura de diagramación de Cahiers, en términos generales incluye las fotografías de los directores o pequeños fotogramas de los filmes, por la naturaleza del soporte, son imágenes fijas, a blanco y negro o color.
-Por el contrario, en el medio virtual, el soporte permite el recurso multimedial de la imagen hecha fotografía y video. Es un complemento de la espectacularidad propia de los mass media actuales, que se emplea para construir nociones solamente.
-El medio impreso tiene el aura del prestigio. Y más aun cuando un escritor que hace critica, tiene reconocimiento por su experiencia académica, laboral y por el circuito en el que se halla inmerso. La credibilidad que impone su argumentación no genera la sensación de incertidumbres generalizadas. Esto es un hecho que ocurre en cualquier parte del mundo.
-El medio virtual, aun posee un estigma de informalidad que le genera consideraciones ligeras de clase, ya que los circuitos que permea son diferentes: en algunos casos paralelamente con la institucionalidad del periodismo especializado, en otros intentando mostrar otra cara del ejercicio de crítica. Este carácter de improvisación puede llevar a pensar que se trata de textos copiados y duplicados infinitas veces, aquí no hay autorías claras o reconocidas, y pareciera que esto no es importante saberlo, presuntamente la intención es llevar el reconocimiento a la dimensión de la derrota como fin.
-Sin embargo, ambos soportes aquí generan una formación de públicos, porque para el caso en cuestión, el cine y su ejercicio de critica, tienen una orientación que busca de un lado, la formación de una especialización y profundización de la apreciación como concepto, faceta en la que es contundente el medio impreso, por el otro, también promueve la exploración primaria y superficial, siendo ambas un complemento necesario. Ya que es imposible hacer exigencias que no se adecuen a la naturaleza del soporte, el texto impreso y virtual cumple propósitos diferentes.
-El aspecto de la critica también es dimensionado distintamente en ambos soportes, porque mientras es: “una forma especializada de periodismo cultural…en el que se aventura una interpretación intelectual “(8), en el soporte virtual, la critica se define mas como una compilación que es mas una muestra de postura en el aspecto de la apreciación. Entonces se cumple así un aspecto pedagógico igualmente diferente, la especialización hace crítica para doctos, la apreciación se queda para los profanos.
Notas
1, 2, 3, 4, 5 y 6.Bazin André, El cine de la crueldad, de Buñuel a Hitchcock. Ediciones Mensajero. Bilbao España 1977
7. www.juankazinetkblospot.com articulo del 3 marzo de 2009.
8. Ponce de león Carolina. El efecto mariposa, ensayos sobre arte en Colombia 1985-2000 Panamericana de Formas e Impresos. Bogotá 2005 pág. 240.
lunes, 18 de mayo de 2009
EL RECOMENDADO DEL MES-THE JACKET
Este extraño filme, conocida en América Latina como Regresiones de un hombre muerto es una película de John Maybury estrenada en 2005. Massy Tadjedin escribió el guión basándose en una historia de Tom Bleecker y Marc Rocco y logra recrearnos en un ambiente muy al estilo de Albert Camus quien en su obra El Extranjero, hace del absurdo de las circunstancias, a su protagonista Jack Starks,(ADRIEN BRODY) a ser sujeto de las dislocaciones de tiempo y espacio, en un tratamiento médico bastante inhumano, que le lleva a posibilitar la búsqueda del amor de Jackie (KEIRA KNIGTHLEY), en un afán por modificar el destino. interesante la dirección de arte. es un filme al que hay que seguirle la pista argumentativa porque posibilita en el espectador instantes de confusión, que son el justificativo a la reconstrucción de una mente agobiada por la amnesia y el dolor de la soledad.
FICHA TECNICA
The Jacket
Título The Jacket
Regresiones de un hombre muerto
Ficha técnica
Dirección John Maybury
Producción Peter Guber
George Clooney
Steven Soderbergh
Guión Massy Tadjedin (basado en un guión de Tom Bleecker y Marc Rocco)
Música Brian Eno
Vestuario Doug Hall
Reparto Adrien Brody
Keira Knightley
Kris Kristofferson
Jennifer Jason Leigh
Daniel Craig
Kelly Lynch
Brad Renfro
Laura Marano
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 2005
Género Thriller
Duración 102 minutos
2001: A Space Odyssey-Una Odisea Espacial
Este revolucionario filme de 1968, sigue siendo aún el hito de la ciencia ficción llevada al cine. Cuando Stanley Kubrick la logró adaptar basado en la novela de Arthur C. Clarke, basándose en una novela corta del escritor titulada El Centinela, escrita en 1948 y publicada en la revista 10 Historias de Fantasía, en 1951, nadie se imaginaría posteriormente las implicancias que alcanzaría el género.
Las aplicaciones de la tecnología desde el amanecer de la civilización humana, hasta la colonización en el espacio, son llevadas argumentativamente con un sentido de cuestionamiento frente a lo que somos y lo que podemos llegar a ser. el preludio de la inteligencia artificial encarnado en una computadora, la HAL-9000, nos invita a tener un espacio ético sobre el uso de las nuevas tecnologías que está tan vivo en nuestra actualidad. Este filme es toda una obra de arte de la cinematografía y debe incluírse obligatoriamente en cualquier curso de estudio de la imagen o arte visual.
FICHA TECNICA
2001: A Space Odyssey
Título 2001: Odisea del espacio
2001: Una odisea del espacio
Ficha técnica
Dirección Stanley Kubrick
Ayudante de dirección Derek Cracknell
Dirección artística John Hoesli
Producción Stanley Kubrick
Diseño de producción Ernest Archer
Harry Lange
Anthony Masters
Guión Libreto:
Stanley Kubrick
Arthur C. Clarke
Argumento:
Arthur C. Clarke
(novela El Centinela)
Música Richard Strauss
Johann Strauss Jr.
Aram Khachaturian
Gyorgy Ligeti
Sonido A. W. Watkins (Supervisión)
H. L. Bird (Mezcla)
Winston Ryder (Edición)
Fotografía Geoffrey Unsworth
John Alcott (sustituto)
Montaje Ray Lovejoy
Vestuario Hardy Amies
Efectos especiales Douglas Trumbull (Dirección)
Wally Veevers (Supervisión)
Stanley Kubrick (Diseño)
Reparto Keir Dullea
Gary Lockwood
William Sylvester
Daniel Richter
Leonard Rossiter
Margaret Tyzack
Robert Beatty
Sean Sullivan
Douglas Rain
Datos y cifras
País(es) Reino Unido
Estados Unidos
Año 1968
Género Ciencia Ficción
Surrealismo
Duración 160 minutos (estreno)
143 minutos (general)
Compañías
Productora Metro-Goldwyn-Mayer
Distribución Metro-Goldwyn-Mayer
Turner Entertainment
Warner Bros
Presupuesto $ 10,500,000
BLOOD DIAMOND-DIAMANTE SANGRIENTO
A mediados de los años noventas, Sierra Leona, es uno de los principales focos de producción diamantera del África occidental. su territorio es escenario de una lucha contrainsurgente de parte del gobierno de Charles Taylor y la intervención de grupos mercenarios provenientes de Sudáfrica y algunas transnacionales europeas y norteamericanas. en medio de este conflicto el rhodesiano Danny Archer (LEONARDO DI CAPRIO)se relaciona trágicamente con Solomon Vandy (DJIMMON HOUNSOU), un pescador hecho esclavo en una mina junto con su hijo Día, el cual halla un diamante especial, por el cual todos están dispuestos a traicionar, asesinar y soñar un mundo de posibilidades ajenas, de la cual se sirve la periodista norteamericana Maddy Bowen (JENNIFER CONELLY) para poner al descubierto una historia de la cual se hacen cómplices los mercados adinerados del primer mundo, que al igual que el del narcotráfico, surte demandas con resultados inmorales. independientemente del final algo rosa, es un filme que invita a reflexionar sobre los potenciales daños que ocasiona el mercado ilegal de los recursos mineros y naturales de las naciones pobres, en beneficio de unos pocos.
FICHA TECNICA
Blood Diamond
Título Diamante de Sangre
Archivo:BDPoster.jpg
Poster promocional
Ficha técnica
Dirección Edward Zwick
Ayudante de dirección Drew Bailey
Dirección artística Peter Wenham
Producción Gillian Gorfil,
Marshall Herskovitz,
Graham King,
Paula Weinstein,
Edward Zwick
Diseño de producción Dan Weil
Guión Charles Leavitt
Música James Newton Howard
Fotografía Eduardo Serra
Montaje Steven Rosenblum
Escenografía Olivia Bloch-Lainé
Vestuario Ngila Dickson
Reparto Leonardo DiCaprio,
Jennifer Connelly,
Djimon Hounsou,
Michael Sheen,
Arnold Vosloo
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 2007
Género Aventura y Drama
Duración 143 min
U-Carmen e-Khayelitsha
Ganadora del Oso de Berlín en el 2005, este filme, que escenifica la ópera CARMEN de Georges Bizet,tiene las particulariedades de mostrar la africanidad desde otro punto de vista, los conceptos estéticos de la belleza masculina y femenina, las estructuras sociales y económicas, son tratadas con las singularidades de una comunidad negra en Sudáfrica. el filme respeta íntegramente los lineamientos argumentales de la ópera original, pero significa las diferencias del contexto, a tal punto que la cinta está hablada en idioma Xhosa, que es una de las once lenguas oficiales de Sudáfrica. el filme posee un ritmo visual y musical agradable y es interesante el trabajo de fotografía que aunque refleja los escenarios de pobreza y marginalidad de esta comunidad, no lo hace para situarse en un estereotipo desagradable. el director Mark Dornford-May, empleó actores que venían del escenario teatral, lo cual le da al filme un resultado muy creíble.
FICHA TÉCNICA
Pauline Malefane es Carmen
Andile Tshoni es Jongikhaya
Lungelwa Blou es Nomakhaya
Zweilungile Sidloyi es Lulamile Nkomo
Andries Mbali es Bra Nkomo
Zamile Gantana es Capitán Gantana
Andiswa Kedama es Amanda
Ruby Mthethwa es Pinki
Ross Garland es Policía
Dirección Mark Dornford-May
Producción Mark Dornford-May
Ross Garland
Guión Mark Dornford-May
Andiswa Kedama
Pauline Malefane
Música Georges Bizet
Datos y cifras
País(es) Sudáfrica
Año 2005
Género Drama-romance-musical
Duración 122 min.
Idioma(s) Xhosa
viernes, 1 de mayo de 2009
EN MI TIERRA-IN MY COUNTRY
Este filme, escenifica el proceso inacabado de la reconciliación, que a modo de factor de gobernabiliadad se vió obligado a aceptar el entonces presidente sudafricano Nelson Mandela, asegurando a juicio de muchos analistas, dentro y fuera del país un ambiente que fomentó la impunidad para graves delitos que incluían la tortura, la desaparición forzosa y genocidio. la confesión de estos horrendos crímenes permitía a los acusados obtener un indulto judicial, siempre y cuando hicieran públicas sus acciones, proporcionando métodos, fechas de ejecución, lugares de confinamiento y nombres de quienes emanaban las órdenes de ejecución, siendo casi todos los perpretadores miembros de la policía y el ejército sudafricanos. es curioso que hasta la fecha ningún alto dirigente del régimen afrikaner, incluyendo al ex-presidente Frederick de Klerk y su gabinete, o la cúpula del partido racista Unión Nacional no hayan sido enjuiciados, siendo el precio que se paga repetidamente en la historia.
El filme cuanta con la esteralización de SAMUEL L.JACKSON y JULIETTE BINOCHE, él un reportero norteamericano que llega a Sudáfrica en busca de una noticia y ella una afrikaneer que busca la redención en medio de la tragedia. es un registro fílmico que vale la pena verlo.
FICHA TÉCNICA
IN MY COUNTRY
Reparto: SAMUEL L. JACKSON es Langston Whitfield
JULIETTE BINOCHE es Anna Malan
Dirección: JHON BOORMAN
Género: Drama
País: Coproducción USA-IRLANDA -SUDÁFRICA
Año: 2005
Duración: 103 minutos
lunes, 27 de abril de 2009
EDITORIAL DEL MES
Queridos visitantes:
Este mes dedicaremos una serie de filmes que tienen a Africa como eje temático y circunstancial. por ello presentaremos en nuestros comentsrios los siguientes filmes:-CARMEN U KHAYELITSHA de Mark Donford-May, BLOOD DIAMOND de Edward Zwick, THE LORD OF WARD de Andrew Niccol, así mismo el clásico del mes se lo dedicamos al filme 2001 ODISEA EN EL ESPACIO de Stanley Kubrick. nuestro recomendado del mes tiene al filme THE JACKET de Jhon Maybury.
Así mismo los invitamos a uq nmos digan qué títulos quioeren que incluyamos en el blog. gracias.
Este mes dedicaremos una serie de filmes que tienen a Africa como eje temático y circunstancial. por ello presentaremos en nuestros comentsrios los siguientes filmes:-CARMEN U KHAYELITSHA de Mark Donford-May, BLOOD DIAMOND de Edward Zwick, THE LORD OF WARD de Andrew Niccol, así mismo el clásico del mes se lo dedicamos al filme 2001 ODISEA EN EL ESPACIO de Stanley Kubrick. nuestro recomendado del mes tiene al filme THE JACKET de Jhon Maybury.
Así mismo los invitamos a uq nmos digan qué títulos quioeren que incluyamos en el blog. gracias.
lunes, 13 de abril de 2009
ANDRES DE SANTA MARIA
SANTO tOMÁS,1921 OLEO SOBRE TELA
1860 - Diciembre. Nació en Bogotá.
1862 - Fue llevado a Inglaterra en donde vivió parte de su niñez.
1882 - Viajó a Francia en donde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de París y estudió bajo la dirección de Fernando Humberto y Enrique Gervex. Allí tuvo de compañeros a Ignacio Zuluaga, Santiago Rusiñol y el Príncipe Eugenio de Suecia.
AUTORRETRATO,1921 OLEO SOBRE TELA
1889 - Pintó, para el Banco de Bogotá, el retrato de Matías de Francisco, el cual se encuentra todavía en poder de dicha entidad. También es de este año el gran óleo titulado: Lavadoras del Sena, hoy en el Museo Nacional de Bogotá.
1893 - Vino a Colombia.
1897 - Participó en una Exposición colectiva en la cual mostró unos caballos ejecutados con técnicas hasta entonces desconocidas por el público bogotano.Regresó a Europa.
NIÑA RUBIA 1913, OLEO SOBRE TELA
1903 - Participó en el Salón de la Sociedad Nacional de París con el cuadro titulado: "Compañía de dragones ingleses" que llamó la atención por su audaz colorido.
1904 - Invitado por el Presidente de la República General Rafael Reyes, vino a Bogotá, e hizo una exposición individual de pintura en la cual exhibió: El Lavadero, Ejercicios de tiro al blanco, Las Segadoras, etc. Su exposición fue causa de interesantísimas polémicas. En ellas intervinieron escritores como Sanín Cano (1), Hinestroza Daza (3) y Max Grillo (2) (véase la Bibliografía).
1904 - 1911. Fue Rector de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Creó la Escuela Profesional de Artes Decorativas e Industriales, que funcionó como anexa a la de Bellas Artes. Allí se enseñó: Platería, Cerámica, Fundición y Talla en madera y piedra. También regentó las cátedras de pintura y escultura.
ESTUDIO DE JOVEN, OLEO SOBRE TELA,1942
1906 - Participó en una exposición colectiva que tuvo lugar en el Foyer del Colón. Allí mostró varios retratos entre los que figuraron: Mantillas Bogotanas.
Pintó el tríptico del Capitolio Nacional, obra que le fue muy discutida. En él presentó a Bolívar dirigiendo la campaña libertadora.
1911 - Regresó a Europa y se estableció en Bruselas.
EN LA PLAYA DE MACUTO, OLEO SOBRE TELA 1912
1922 - Pintó el cuadro titulado: "Pietá".
1927 - Participó en el Salón de París con el cuadro titulado: "Dos cabezas de Mujer". Esta fue una de las pinturas más apreciadas de Santa María, porque allí pudo realizar al fin la técnica que venía buscando desde hacía varios años.
1929 - Exhibió en el Salón de la Sociedad Nacional de Bruselas, un "Retrato de Mujer".
TRIPTICO, 1906 OLEO SOBRE TELA
1930 - Pintó el "bodegón con figura" que hoy se encuentra en el Museo Nacional.
1930 - Diciembre 12. Fue nombrado Académico Correspondiente de la Academia de San Fernando en Madrid.
1931 - Mayo. Se hizo una exposición de las obras de Santa María organizada por la Academia Colombiana de Bellas Artes.
1936 - Obtuvo un gran triunfe en la exposición del Palacio de Bellas Artes de Bruselas
1937 - Hizo una exposición retrospectiva en la Galería New Burlington de Londres. Allí presentó 125 telas que mostraron la evolución de su pintura desde el año de 1907.
1945 - Abril 29. Murió en Bruselas.
LAVADORAS DEL SENA,OLEO SOBRE TELA,1889
1860 - Diciembre. Nació en Bogotá.
1862 - Fue llevado a Inglaterra en donde vivió parte de su niñez.
1882 - Viajó a Francia en donde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de París y estudió bajo la dirección de Fernando Humberto y Enrique Gervex. Allí tuvo de compañeros a Ignacio Zuluaga, Santiago Rusiñol y el Príncipe Eugenio de Suecia.
AUTORRETRATO,1921 OLEO SOBRE TELA
1889 - Pintó, para el Banco de Bogotá, el retrato de Matías de Francisco, el cual se encuentra todavía en poder de dicha entidad. También es de este año el gran óleo titulado: Lavadoras del Sena, hoy en el Museo Nacional de Bogotá.
1893 - Vino a Colombia.
1897 - Participó en una Exposición colectiva en la cual mostró unos caballos ejecutados con técnicas hasta entonces desconocidas por el público bogotano.Regresó a Europa.
NIÑA RUBIA 1913, OLEO SOBRE TELA
1903 - Participó en el Salón de la Sociedad Nacional de París con el cuadro titulado: "Compañía de dragones ingleses" que llamó la atención por su audaz colorido.
1904 - Invitado por el Presidente de la República General Rafael Reyes, vino a Bogotá, e hizo una exposición individual de pintura en la cual exhibió: El Lavadero, Ejercicios de tiro al blanco, Las Segadoras, etc. Su exposición fue causa de interesantísimas polémicas. En ellas intervinieron escritores como Sanín Cano (1), Hinestroza Daza (3) y Max Grillo (2) (véase la Bibliografía).
1904 - 1911. Fue Rector de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Creó la Escuela Profesional de Artes Decorativas e Industriales, que funcionó como anexa a la de Bellas Artes. Allí se enseñó: Platería, Cerámica, Fundición y Talla en madera y piedra. También regentó las cátedras de pintura y escultura.
ESTUDIO DE JOVEN, OLEO SOBRE TELA,1942
1906 - Participó en una exposición colectiva que tuvo lugar en el Foyer del Colón. Allí mostró varios retratos entre los que figuraron: Mantillas Bogotanas.
Pintó el tríptico del Capitolio Nacional, obra que le fue muy discutida. En él presentó a Bolívar dirigiendo la campaña libertadora.
1911 - Regresó a Europa y se estableció en Bruselas.
EN LA PLAYA DE MACUTO, OLEO SOBRE TELA 1912
1922 - Pintó el cuadro titulado: "Pietá".
1927 - Participó en el Salón de París con el cuadro titulado: "Dos cabezas de Mujer". Esta fue una de las pinturas más apreciadas de Santa María, porque allí pudo realizar al fin la técnica que venía buscando desde hacía varios años.
1929 - Exhibió en el Salón de la Sociedad Nacional de Bruselas, un "Retrato de Mujer".
TRIPTICO, 1906 OLEO SOBRE TELA
1930 - Pintó el "bodegón con figura" que hoy se encuentra en el Museo Nacional.
1930 - Diciembre 12. Fue nombrado Académico Correspondiente de la Academia de San Fernando en Madrid.
1931 - Mayo. Se hizo una exposición de las obras de Santa María organizada por la Academia Colombiana de Bellas Artes.
1936 - Obtuvo un gran triunfe en la exposición del Palacio de Bellas Artes de Bruselas
1937 - Hizo una exposición retrospectiva en la Galería New Burlington de Londres. Allí presentó 125 telas que mostraron la evolución de su pintura desde el año de 1907.
1945 - Abril 29. Murió en Bruselas.
LAVADORAS DEL SENA,OLEO SOBRE TELA,1889
¿QUIÉN ES VICTOR BOUT?
Víktor But (en ruso: Виктор Бут, nacido el 13 de enero de 1967 en Dushanbé, RSS de Tayikistán, parte de la entonces Unión Soviética) es un traficante de armas, considerado por muchos el mayor del mundo. En 2002 afirmó o insinuó en una entrevista radiofónica en Moscú haber nacido en Asjabad, Turkmenistán. Un informe de la inteligencia sudafricana emitido en 2001 sostiene que es ucraniano. Usa más de un pasaporte y de entre sus alias destacan nombres como Vadim S. Aminov, Víktor Anatólievich But, Víktor S. Bulakin, y Víktor Butt (trasero) para sus detractores. Es por la incertidumbre respecto de su verdadera identidad y origen por lo que ha resultado difícil seguirle y su figura tiene cierto carácter mítico. Se sabe en todo caso que su hermano Sergei trabaja para él, que está casado y tiene por lo menos una hija.
El 8 de marzo de 2008, Víktor Bout fue detenido en Tailandia en un operativo conjunto llevado a cabo por varios países con asistencia de Interpol. Bout rechazó las acusaciones por el tráfico de armas.
Según él, fue oficial de la fuerza aérea y se graduó en el Instituto Militar de Lenguas Extranjeras de Moscú, famoso lugar de entrenamiento para el Directorio Principal de Inteligencia, vasta red de espías militares a cargo del flujo armamentista hacia los movimientos revolucionarios africanos y los estados comunistas del tercer mundo. Se dice que habla con fluidez inglés, francés, portugués, uzbeko y varias lenguas africanas. Fuentes oficiales estadounidenses afirman que trabajó como traductor para las fuerzas de paz en Angola a finales de los años 1980. La inteligencia británica y la sudafricana dicen que fue enviado por la KGB a Roma desde 1985 hasta 1989, mientras él niega cualquier tipo de vinculación con el espionaje. Su vida inspiró la película Lord of War, y su personaje fue actuado por Nicolas Cage.
La personalidad de Víktor But ha contribuido a su éxito. Se dice que es un hombre educado, inteligente, ambicioso, pero prudente y modesto. Sobre todo, no se le conoce inclinación política y es su falta de escrúpulos en este sentido lo que seguramente más ha jugado a su favor: al mismo tiempo que proveía a su amigo Ahmed Shah Massoud, líder de la Alianza del Norte afgana, vendía su mercancía a los talibanes; su flota voló al mismo tiempo para el gobierno de Angola y para la rebelión de la UNITA; un avión suyo rescató a Joseph Mobuto Sese Seko del sitiamiento en que lo tenían los rebeldes a quienes les había vendido armas; colaboró con Charles Taylor, las FARC colombianas y Qaddāfī. Se le conocen negocios de otra índole como el transporte en 1993 de fuerzas de paz de la ONU belgas a Somalía en el marco de la operación "Devolver la esperanza", o el traslado en 1994 de 2.500 soldados franceses a Ruanda para frenar la masacre que allí había o el de negociadores de paz a Filipinas, donde la banda terrorista local vinculada a Al Qa'eda Abu Sayyaf tenía rehenes, además del envió de suministros al Programa Mundial de Alimentos al África y de materiales humanitarios en Sri Lanka el 2004. Ha participado en varias misiones para las Naciones Unidas en los mismos lugares en catástrofe producto de su venta de armas, tanto en el África, como en Afganistán e Iraq, donde prestó sus servicios para los Estados Unidos e Inglaterra. Es por esta última razón que ha permanecido inmune ante el proyecto de resolución dictado por la ONU en el 2004, consistente en congelar los bienes y las mercancías de quienes habían apoyado al depuesto dictador de Liberia, Charles Taylor. También por esto el gobierno británico, a petición del estadounidense, excluyó a But de su "lista negra" ese mismo año, luego que cuatro años antes Peter Hain, entonces a cargo de la Foreign Office en el África, lo declarase el mayor obstáculo para el embargo de armas en Angola y en Sierra Leona. Ha violado además embargos de armas en Liberia y la República Democrática del Congo. La Interpol emitió una alerta roja solicitando su detención, aun sin pruebas contundentes y pese a las presiones y la persecución en su contra, sus negocios se mantienen dentro de una laguna legal que la jurisprudencia internacional no puede prohibir.
THE LORD OF WAR-EL SEÑOR DE LA GUERRA
El negocio del tráfico de armas, se convierte en el camino de éxito de un hombre, que se conflictúa a sí mismo, hallándose en toda una serie de circunstancias, que terminan por llevarlo a límites jamás imaginados.
Cuando YURI ORLOV (Nicolas Cage), decide ser un proveedor de necesidades especiales, (en este caso un mercader de armamentos), llevado en primera instancia para sorprender a la hermosa AVA FONTAINE (Bridget Moynahan, en su deseo por poseerla, su afán de lucro, arrastra nefastamente a su propio hermano VITALY (Jared Leto), a la adicción por la cocaína, a ser repudiado por su familia, y a ser dotado con la maldición de la invulnerabilidad.
Completan el reparto ETHAN HAWKE, IAN HOLM y EAMONN WALKER. las intrigas, los engaños, las manipulaciones y las traiciones son la condición natural en este tipo de negocios peligrosos, que concluyen sólo con el cambio de protagonistas, sus modos y medios son más trascendentes, que la simple voluntad humana.
FICHA TECNICA
El señor de la guerra
(Lord of War)
Drama - Acción - Thriller
USA
122 minutos
Año: 2005
Ficha técnica
Director ANDREW NICCOL
(+)
Reparto
Nicolas Cage Yuri Orlov
Ethan Hawke Jack Valentine
Bridget Moynahan Ava Fontaine
Jared Leto Vitaly Orlov
Ian Holm Simeon Weisz
Eamonn Walker Andre Baptiste
viernes, 10 de abril de 2009
ARMANI PARA ROBUSTOS
El pasado 14 de marzo, la industria de la moda, vivió una interesante reforma: -una nueva tienda de Armani Stock Classical, inauguró en la ciudad de Lima, un almacén de diseños exclusivos masculinos, que será la sensación entre los potenciales clientes de este público. ¿la novedad? : -Es la primera vez que una marca exclusiva, abre una tienda en América Latina, teniendo en cuenta a los hombres rellenitos y menuditos, como lo dice el mismo modelo oficial de la campaña publicitaria de Armani, José Alvarez Cabral, quien adicionalmente es el jefe de ventas para la prestigiosa casa de modas, Estas fueron algunas de sus impresiones al respecto: ¨-Armani llega inicialmente al Perú, no como una marca de moda más, es una empresa que llega comprometida con las necesidades del sector local, eso es un compromiso que busca generar respeto y aprecio por las singularidades de los clientes...Armani abre en este país una tienda de moda masculina, con un enfoque que tiene en cuenta la diferencia, ¿quién dijo que los hombres somos todos iguales?...Armani llega a cubrir con estilo y distinción al hombre peruano. Y lo que es mejor aún, con un amplio portafolio en estilos, presupuestos y gustos que Armani espera extender a otros mercados de la región próximamente.¨
Y júzgenlo ustedes mismos: -Al propio José en el afiche publicitario, posando ante las cámaras en un traje de corte Dover en color caqui, con camisa Glendale blanca y una corbata en seda japonesa de arabescos dorados. además está calzando unos zapatos florsheim negros, cerrando una nueva tendencia que se ubica en lo formal con aires de soltura, lo más importante de todo es que por primera vez, un hombre de anchas carnes y complexión robusta hace parte de la promoción de Armani. ¨Me siento feliz, como ejecutivo de esta prestigiosa firma y como hombre que soy al mostrarme como un ícono posible en la moda masculina del latinoamericano actual.¨ Concluyó Alvarez Cabral.
jueves, 5 de marzo de 2009
THE PRODUCERS-LOS PRODUCTORES.
Uno podría pensar, que el género musical, por lo menos desde lo que Hollywood nos ha acostumbrado a ver, no ha evolucionado mucho: -grandes diseños escenográficos, trabajo coreográfico complejo, basado en la espectacularidad y complejidad de los bailes, muchas canciones...todo al mejor estilo de Gene Kelly y cía.
Pero una cosa es montar un musical con formato teatral, y otra para cine. ¿entonces qué hay de novedoso en este tipo de puestas en escena? primero, podría decir, que el montaje cinematográfico es mucho menos exigente, pero requiere preparar las tomas con más cuidado, por ello en esta cinta, hay factores que destacan puntos a favor y en contra. veamos cuáles son.
Primero, los actores NATHAN LANE y MATTHEW BRODERICK, se destacan por su ya consabida experiencia en teatro-musical, ellos ya habían realizado la versión musical en Broadway, y eso precisamente les confiere a sus actuaciones, mucha fuerza y credibilidad. sin hacer gala de excesos, ni maquillajes barrocos, sus actos musicales se combinan bien con los diálogos de escena. siendo casi imperceptible para el espectador diferenciarlos.
Segundo, WILL FERRELL, deja ver que es un actor multifacético, se mueve bien en los géneros de la comedia y el drama de manera interesante. su caracterización merece aplausos, porque sin el recurso de la sobreactuación, al que llegan otros actores del género, convence, es sencilla, pero se le nota un gran proceso interpretativo, desde la manera en que adecúa su acento germanófilo,hasta su caracterización vocal.
Tercero, UMA THURMAN, sale muy regular, su interpretación es algo ligera, a veces parece como perdida en el cuadro de la historia, sin llegar a ser mala su intervención en el filme, pudo haber sido más exigente. sin embargo se defendió bien en las escenas de canto.
Cuarto, aunque este filme es un remake del que dirigiera MEL BROOKS en 1968, hace bien la tarea de entretener. su exagerada carga escénica aportada por su directora SUSAN STROMAN, no pasa inadvertida y sin ser una película de calibres dorados, es agradable verla.
Por último, es muy interesante ver cómo la apuesta de divertir, mediante el recurso de la parodia, que en este caso un número musical como LA PRIMAVERA DE HITLER hace evocaciones, completamente diferentes de lo que el nazismo significó. apuesta arriesgada, por demás, porque hacer un planteamiento jocoso de algo que fué tan trágico, no es fácil, y menos cuando de exigir entretenimiento se requiere.
FICHA TECNICA
NATHAN LANE es MAX BIALYSTOCK
MATTHEW BRODERCIK es LEO BLOOM
ACTUACIONES DE WILL FERRELL Y UMA THURMAN
DIRECCION SUSAN STROMAN
FOTOGRAFIA JHON BAILEY
GUION MEL BROOKS Y THOMAS MEEHAN
AÑO 2005 ESTADOS UNIDOS
DURACION 135 MINUTOS
martes, 3 de marzo de 2009
BLACK RAIN-LLUVIA NEGRA, EL RECOMENDADO DEL MES
Hacer un filme de acción, no es tarea fácil, y menos cuando se tiene que buscar una justificación, que acredite tal esfuerzo, BLACK RAIN fué un ejemplo que demostró que el género, cuando se hace responsablemente y con un buen guión, todo queda en agradecimientos y buenos recuerdos.
Este filme del año 1989, fue uno de los primeros del director RIDLEY SCOTT, (ya había hecho BLADE RUNNER)y aunque plasma los estereotipos que desde el mundo policIaco occidental, se tienen sobre las culturas orientales. Esta es una de las razones por las cuales este filme debe verse, porque hacer una lectura simple del mismo, nos llevaría a prejuicios. esta cinta, debe verse pues, analizando otros aspectos que se van descubriendo, poco a poco. como cuando se saca agua de un pozo. ¿complicado? veamos porqué este planteamiento.
El honor, la lealtad y la valentía son elementos argumentales, que dan acompañamiento a una historia, que lleva a los detectives NICK CONKLIN (MICHAEL DOUGLAS) y CHARLIE VINCENT (ANDY GARCIA) a situarse en la persecución de un japonés perteneciente a las nuevas generaciones YAKUZA, más ligadas al enriquecimiento desmedido, la inmoralidad y la deslealtad sin límites. El antagónico lo interpretó YUSAKU MATSUDA, lástima que un cáncer se lo llevaría para siempre ese mismo año. Su personaje SATO, fué un reto actoral muy importante para él, ya que siempre había hecho estelarizaciones para la televisión nipona como detective de policía (JEANS DETECTIVE y TANTEI MONOGATARI son un ejemplo de ello).
La cultura japonesa se refleja en el escenario mafioso con las contextualizaciones de xenofobia (El trato frente a la mujer occidental interpretada por KATE CAPSHAW, es una muestra de ello) y el aislamiento del estamento criminal, que como entre otros aspectos de la cultura nipona, no permite un acceso directo a los occidentales. (aquí la figura del OYABUN o jefe de capo, se nos muestra severa y dispuesta a hacer justicia, al modo tradicional yakuza interpretado por TOMISABURO WAKAYAMA) El rito de cortarse el dedo ante el consejo YAKUZA, es también iconoclástico en estos filmes y por último la SUBCULTURA URBANA BOSOZOKU, que es la versión nipona de las bandas de motociclistas que adaptan sus aparatos de manera sofisticada (son unas Suzuki GSX-R 1100 Y 750R) y que por lo menos en esta cinta, pertenecen a actividades criminales, complementando así un cuadro fílmico interesante de ver.
Es de destacar también la actuación de KEN TAKAKURA como el detective MASAHIRO MATSUMOTO, un oficial aferrado a la tradición, quien acompaña a MICHAEL DOUGLAS de manera aceptable.su intervención le da equilibrio a la historia. su honestidad no debe confundirse con ingenuidad.
En los aspectos técnicos, este filme contó con la banda sonora producida por HANS ZIMMER Y GREEG ALLMAN siendo una de las primeras cintas que incorporaron elementos de percusión electrónica y sinfónica con ritmos orientales en un filme. la edición impecable trabajo de TOM ROLF, le llevo a BLACK RAIN a obtener dos nominaciones a los OSCAR por MEJOR SONIDO y MEJORES EFECTOS DE SONIDO. prueba de ello lo consignamos en los videos del trailer musical y de la escena final de la cinta. compruébenlo por sí mismos.
TRAILER MUSICAL
En definitva, un filme que vale la pena ver, porque va más allá de lo que convencionalmente nos hemos formado sobre las cintas de acción, por ello es NUESTRO RECOMENDADO DEL MES.
FICHA TECNICA
MICHAEL DOUGLAS es NICK CONKLIN
ANDY GARCIA es CHARLIE VINCENT
KEN TAKAKURA es MASAHIRO MATSUMOTO
YUSAKU MATSUDA es SATO
KATE CAPSHAW es JOYCE
DIRECCION
RIDLEY SCOTT
MUSICA
HANS ZIMMER
PRODUCCCION
STANLEY R. JAFFEE
SHERRY LANSING
PARAMOUNT PICTURES
ESTADOS UNIDOS 1989
GENERO THRILLER-ACCION
EDITORIAL DEL MES
Estimados vistantes:
Durante el mes de MARZO, tenemos interesantes artículos a comentar. EL CLASICO DEL RECUERDO, de la mano de nuestro colaborador ANDRES ARCE, reseñará el filme 2001 ODISEA EN EL ESPACIO, de STANLEY KUBRICK, LA PEOR PELICULA, presentará este mes al ya fallecido CHRIS FARLEY en UN NINJA EN BEVERLY HILLS, nuestra sección de musicales, presentará a MATTHEW BRODERICK y NATHAN LANE y WILL FERRELL, en la cinta de MEL BROOKS, LOS PRODUCTORES, Infonoticias hará una síntesis de los galardonados en los ACADEMY AWARDS 2009 y en nuestra sección del RECOMENDADO DEL MES estará la cinta de RIDLEY SCOTT, BLACK RAIN, protagonizada por MICHAEL DOUGLAS, ANDY GARCIA, KEN TAKAKURA Y YUSAKU MATSUDA.
Este mes, nos orientaremos hacia el cine de HOLLYWOOD, pensando en que sus condiciones de producción, merecen la pena ser comentadas por medio de los anteriores filmes mencionados.Esperamos sean de su agrado y no olviden hacer sus aportes.
CONSEJO EDITORIAL.
Durante el mes de MARZO, tenemos interesantes artículos a comentar. EL CLASICO DEL RECUERDO, de la mano de nuestro colaborador ANDRES ARCE, reseñará el filme 2001 ODISEA EN EL ESPACIO, de STANLEY KUBRICK, LA PEOR PELICULA, presentará este mes al ya fallecido CHRIS FARLEY en UN NINJA EN BEVERLY HILLS, nuestra sección de musicales, presentará a MATTHEW BRODERICK y NATHAN LANE y WILL FERRELL, en la cinta de MEL BROOKS, LOS PRODUCTORES, Infonoticias hará una síntesis de los galardonados en los ACADEMY AWARDS 2009 y en nuestra sección del RECOMENDADO DEL MES estará la cinta de RIDLEY SCOTT, BLACK RAIN, protagonizada por MICHAEL DOUGLAS, ANDY GARCIA, KEN TAKAKURA Y YUSAKU MATSUDA.
Este mes, nos orientaremos hacia el cine de HOLLYWOOD, pensando en que sus condiciones de producción, merecen la pena ser comentadas por medio de los anteriores filmes mencionados.Esperamos sean de su agrado y no olviden hacer sus aportes.
CONSEJO EDITORIAL.
martes, 24 de febrero de 2009
LO QUE YO NO RECOMENDARIA VER
UN NINJA BLANCO EN BEVERLY HILLS
Este filme, es de esos que sorprenden. por su facilismo, por su sencillez y su coherencia en la meta de obtener un aliciente de distracción pasajero. la parodia de mediocre nivel de atención, típico de la cultura consumista de los Estados Unidos. la historia es una síntesis de lo que el amor puede hacer cuando es más fuerte que el miedo, aquí CHRIS FARLEY, encarna a Haru, un ninja obeso y torpe al cual una serie de circunstancias lo llevan a enfrentarse a una poderosa organización mafiosa en Los Angeles.
La historia, no puede estar completa sin las actuaciones de NICOLETTE SHERIDAN (Alison, amor de Haru), Gobei, el hermano de Haru (ROBIN SHOU), CHRIS ROCK (Joey) y SOON TEK OH, como el maestro ninja padre adoptivo de Haru.
Aunque el filme promete risas acordes con flatulencias domingueras, nuestro ninja-marrano, lamentablemente no logra imponer un estilo de humor convincente, mostrando al espectador una serie de chistes flojos y estereotipados que no hacen valer la pena ver semejante huesera cinematográfica. lamentable resultado si se tiene en cuenta que mientras vivió CHRIS FARLEY, hizo mejores méritos en el programa SATURDAY LIVE NIGHT, lamentablemente sus problemas de adicción a las drogas pudieron vencerlo y con ello nos perdimos de un potencial tatento humorístico que se truncó. mientras tanto mejor busquen qué ver, porque este filme decepciona de principio a fin.
FICHA TECNICA
CHRIS FARLEY eS HARU
NICOLETTE SHERIDAN es ALISON
ROBIN SHOU es GOBEI
CHRIS ROCK eS JOEY
DIRECCION
DENNIS DUGAN
PAIS ESTADOS UNIDOS
ÁÑO 1997
DURACION 89 MINUTOS
Este filme, es de esos que sorprenden. por su facilismo, por su sencillez y su coherencia en la meta de obtener un aliciente de distracción pasajero. la parodia de mediocre nivel de atención, típico de la cultura consumista de los Estados Unidos. la historia es una síntesis de lo que el amor puede hacer cuando es más fuerte que el miedo, aquí CHRIS FARLEY, encarna a Haru, un ninja obeso y torpe al cual una serie de circunstancias lo llevan a enfrentarse a una poderosa organización mafiosa en Los Angeles.
La historia, no puede estar completa sin las actuaciones de NICOLETTE SHERIDAN (Alison, amor de Haru), Gobei, el hermano de Haru (ROBIN SHOU), CHRIS ROCK (Joey) y SOON TEK OH, como el maestro ninja padre adoptivo de Haru.
Aunque el filme promete risas acordes con flatulencias domingueras, nuestro ninja-marrano, lamentablemente no logra imponer un estilo de humor convincente, mostrando al espectador una serie de chistes flojos y estereotipados que no hacen valer la pena ver semejante huesera cinematográfica. lamentable resultado si se tiene en cuenta que mientras vivió CHRIS FARLEY, hizo mejores méritos en el programa SATURDAY LIVE NIGHT, lamentablemente sus problemas de adicción a las drogas pudieron vencerlo y con ello nos perdimos de un potencial tatento humorístico que se truncó. mientras tanto mejor busquen qué ver, porque este filme decepciona de principio a fin.
FICHA TECNICA
CHRIS FARLEY eS HARU
NICOLETTE SHERIDAN es ALISON
ROBIN SHOU es GOBEI
CHRIS ROCK eS JOEY
DIRECCION
DENNIS DUGAN
PAIS ESTADOS UNIDOS
ÁÑO 1997
DURACION 89 MINUTOS
lunes, 16 de febrero de 2009
ANTOLOGIAS DEL CINE PARA ADULTOS
Se estarán preguntando porqué titulé este artículo como una antología, ¿será que la sola mención a unos géneros tan llamativos pero a la vez tan moralmente cuestionados vale la pena? la respuesta, será contestada en una serie de artículos que muy amablemente publicaré al respecto, y que tienen como finalidad estudiar objetivamente las imágenes que publicita este tipo de cine y del cual muchos son adeptos pública o privadamente, en cualquiera de sus variantes.
Primero lo primero, una cosa es lo erótico y otra lo pornográfico. ambas caminan un sendero muy cercano, pero no son lo mismo. por eso es importante diferenciar para no caer en errores de apreciación. en primer lugar casi todas las civilizaciones han tenido en sus manifestaciones literarias, musicales o artísticas elementos o formas que aluden o tienen naturaleza sexual. tanto Grecia como Roma, India, Japón y Thailandia, incorporaron estas grafías e imágenes a sus prácticas y ritos culturales. es ahí donde lo erótico cobra relevancia, por ejemplo era común que a los recién casados en la antigua Roma se les obsequiara una lámpara especial para la noche de bodas y que representaba una escena sexual. lo erótico aquí es manifestado como un producto de la cultura, derivado de un acto social tan común como es el apareamiento.
Cuando hablamos de lo pornográfico, bueno, hablamos de otro aspecto mediado más por el efecto de la Revolución Industrial. hacia 1857, en pleno auge de la Epoca Victoriana, el término PORNOGRAFIA, hacía alusión a los tratados que comprendían la vida y acciones de las prostitutas, comentario de por sí machista, ya que en esta sociedad la doble moral siempre se campeó cínicamente. lo pornográfico muestra explícitamente y directamente escenas y actos sexuales sin ningún tipo de obstrucción visual. en eso se diferencia de lo erótico.
En nuestra próxima entrega, hablaremos sobre los diversos tipos de cine erótico y pornográfico. NO olviden sugerir algo.
MANUEL CARREÑO SALAZAR
Estudiante Técnica Audiovisual UCV CARACAS VENEZUELA
lunes, 9 de febrero de 2009
NOMINADOS A LOS ACADEMY AWARDS 2009
Por cortesía del periódico EL NACIONAL, de la REPÚBLICA DOMINICANA, presento a ustedes las lista de nominados a los premios OSCAR en su versión del año 2009:
Los filmes independientes “Slumdog Millionaire”, del cineasta británico Danny Boyle, y “Milk”, de Gus Van Sant, fueron elegidos hoy como candidatos al Óscar a la mejor película.
Junto a ellos competirán por la estatuilla que concede la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas “The Curious Case Of Benjamin Button”, de David Fincher, “Frost/Nixon”, de Ron Howard, y “The Reader”, de Stephen Daldry.
“Slumdog Millionaire” fue la ganadora absoluta de la pasada edición de los Globos de Oro, en la que obtuvo los premios de mejor película, mejor dirección para Danny Boyle, mejor guión y mejor banda sonora.
La historia de los jóvenes de una barriada pobre de Bombay cuyas vidas se ven dramáticamente ligadas al programa de televisión “Who Wants to Be a Millionaire” volverá a probar suerte en los Óscar.
“The Curious Case Of Benjamin Button”, que se quedó fuera de los Globos de Oro, aunque tuvo cinco nominaciones, narra la historia de un hombre que nace viejo tras la Segunda Guerra Mundial y rejuvenece con el paso de los años hasta que muere convertido en un bebé, con Brad Pitt y Catte Blanchett como protagonistas.
“The Reader”, de Stephen Daldry, también aspirará a ganar una estatuilla, con una historia de amor que se mezcla con un juicio sobre delitos de guerra en Alemania después de la II Guerra Mundial, protagonizada por Kate Winslet, la gran ganadora de los Globos de Oro.
La tensa entrevista que mantuvo el periodista británico David Frost con el ex presidente de EE.UU. Richard Nixon tras el caso Watergate en “Frost/Nixon” competirá por hacerse con el Óscar junto con “Milk”, la historia protagonizada por Sean Penn basada en la historia real de Harvey Milk, el político que luchó por los derechos de los homosexuales en los años 70 en San Francisco.
Las candidaturas fueron anunciadas en el teatro Samuel Goldwyn de Beverly Hills por el presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, Sid Ganis, y el actor Forest Whitaker, ganador de un Óscar por “The Last King of Scotland".
La 81 edición de los premios Óscar se celebrará el domingo 22 de febrero en el teatro Kodak de Los Ángeles.
Lista de nominados a la 81a entrega de los premios Oscar
Por The Associated Press A continuación la lista completa de nominados a la 81a entrega anual de los premios de la Academia, según se anunció el jueves:
1. Mejor película: “The Curious Case of Benjamin Button”, “Frost/Nixon”, “Milk”, “The Reader”, “Slumdog Millionaire”.
2. Actor: Richard Jenkins, “The Visitor”; Frank Langella, “Frost/Nixon”; Sean Penn, “Milk”; Brad Pitt, “The Curious Case of Benjamin Button”; Mickey Rourke, “The Wrestler”.
3. Actriz: Anne Hathaway, “Rachel Getting Married”; Angelina Jolie, “Changeling”; Melissa Leo, “Frozen River”; Meryl Streep, “Doubt”; Kate Winslet, “The Reader”.
4. Actor de reparto: Josh Brolin, “Milk”; Robert Downey Jr., “Tropic Thunder”; Philip Seymour Hoffman, “Doubt”; Heath Ledger, “The Dark Knight”; Michael Shannon, “Revolutionary Road”.
5. Actriz de reparto: Amy Adams, “Doubt”; Penélope Cruz, “Vicky Cristina Barcelona”; Viola Davis, “Doubt”; Taraji P. Henson, “The Curious Case of Benjamin Button”; Marisa Tomei, “The Wrestler”.
6. Director: David Fincher, “The Curious Case of Benjamin Button”; Ron Howard, “Frost/Nixon”; Gus Van Sant, “Milk”; Stephen Daldry, “The Reader”; Danny Boyle, “Slumdog Millionaire”.
7. Película extranjera: “The Baader Meinhof Complex”, Alemania; “The Class”, Francia; “Departures”, Japón; “Revanche”, Austria; “Waltz With Bashir”, Israel.
8. Guión adaptado: Eric Roth y Robin Swicord, “The Curious Case of Benjamin Button”; John Patrick Shanley, “Doubt”; Peter Morgan, “Frost/Nixon”; David Hare, “The Reader”; Simon Beaufoy, “Slumdog Millionaire”.
9. Guión original: Courtney Hunt, “Frozen River”; Mike Leigh, “Happy-Go-Lucky”; Martin McDonagh, “In Bruges”; Dustin Lance Black, “Milk”; Andrew Stanton, Jim Reardon and Pete Docter, “WALL-E”.
10. Largometraje animado: “Bolt”; “Kung Fu Panda”; “WALL-E”.
11. Dirección de arte: “Changeling”, “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “The Duchess”, “Revolutionary Road”.
12. Cinematografía: “Changeling”, “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “The Reader”, “Slumdog Millionaire”.
13. Mezcla de sonido: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Slumdog Millionaire”, “WALL-E”, “Wanted”.
14. Edición de sonido: “The Dark Knight”, “Iron Man”, “Slumdog Millionaire”, “WALL-E”, “Wanted”.
15. Música original: “The Curious Case of Benjamin Button”, Alexandre Desplat; “Defiance”, James Newton Howard; “Milk”, Danny Elfman; “Slumdog Millionaire”, A.R. Rahman; “WALL-E”, Thomas Newman.
16. Canción original: “Down to Earth” de “WALL-E”, Peter Gabriel y Thomas Newman; “Jai Ho” de “Slumdog Millionaire”, A.R. Rahman y Gulzar; “O Saya” de “Slumdog Millionaire”, A.R. Rahman y Maya Arulpragasam.
17. Vestuario: “Australia”, “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Duchess”, “Milk”, “Revolutionary Road”.
18. Largometraje documental: “The Betrayal (Nerakhoon)”, “Encounters at the End of the World”, “The Garden”, “Man on Wire”, “Trouble the Water”.
19. Documental corto: “The Conscience of Nhem En”, “The Final Inch”, “Smile Pinki”, “The Witness — From the Balcony of Room 306”.
20. Edición: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Frost/Nixon”, “Milk”, “Slumdog Millionaire”.
21. Maquillaje: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Hellboy II: The Golden Army”.
22. Cortometraje animado: “La Maison en Petits Cubes”, “Lavatory — Lovestory”, “Oktapodi”, “Presto”, “This Way Up”.
23. Cortometraje: “Auf der Strecke (On the Line)”, “Manon on the Asphalt”, “New Boy”, “The Pig”, “Spielzeugland (Toyland)”.
24. Efectos visuales: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Iron Man”. ——— Ganadores anunciados previamente: Premio Humanitario Jean Hersholt: Jerry Lewis Premio Gordon E. Sawyer: Ed Catmull, cofundador de Pixar Animation . AP
Los filmes independientes “Slumdog Millionaire”, del cineasta británico Danny Boyle, y “Milk”, de Gus Van Sant, fueron elegidos hoy como candidatos al Óscar a la mejor película.
Junto a ellos competirán por la estatuilla que concede la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas “The Curious Case Of Benjamin Button”, de David Fincher, “Frost/Nixon”, de Ron Howard, y “The Reader”, de Stephen Daldry.
“Slumdog Millionaire” fue la ganadora absoluta de la pasada edición de los Globos de Oro, en la que obtuvo los premios de mejor película, mejor dirección para Danny Boyle, mejor guión y mejor banda sonora.
La historia de los jóvenes de una barriada pobre de Bombay cuyas vidas se ven dramáticamente ligadas al programa de televisión “Who Wants to Be a Millionaire” volverá a probar suerte en los Óscar.
“The Curious Case Of Benjamin Button”, que se quedó fuera de los Globos de Oro, aunque tuvo cinco nominaciones, narra la historia de un hombre que nace viejo tras la Segunda Guerra Mundial y rejuvenece con el paso de los años hasta que muere convertido en un bebé, con Brad Pitt y Catte Blanchett como protagonistas.
“The Reader”, de Stephen Daldry, también aspirará a ganar una estatuilla, con una historia de amor que se mezcla con un juicio sobre delitos de guerra en Alemania después de la II Guerra Mundial, protagonizada por Kate Winslet, la gran ganadora de los Globos de Oro.
La tensa entrevista que mantuvo el periodista británico David Frost con el ex presidente de EE.UU. Richard Nixon tras el caso Watergate en “Frost/Nixon” competirá por hacerse con el Óscar junto con “Milk”, la historia protagonizada por Sean Penn basada en la historia real de Harvey Milk, el político que luchó por los derechos de los homosexuales en los años 70 en San Francisco.
Las candidaturas fueron anunciadas en el teatro Samuel Goldwyn de Beverly Hills por el presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, Sid Ganis, y el actor Forest Whitaker, ganador de un Óscar por “The Last King of Scotland".
La 81 edición de los premios Óscar se celebrará el domingo 22 de febrero en el teatro Kodak de Los Ángeles.
Lista de nominados a la 81a entrega de los premios Oscar
Por The Associated Press A continuación la lista completa de nominados a la 81a entrega anual de los premios de la Academia, según se anunció el jueves:
1. Mejor película: “The Curious Case of Benjamin Button”, “Frost/Nixon”, “Milk”, “The Reader”, “Slumdog Millionaire”.
2. Actor: Richard Jenkins, “The Visitor”; Frank Langella, “Frost/Nixon”; Sean Penn, “Milk”; Brad Pitt, “The Curious Case of Benjamin Button”; Mickey Rourke, “The Wrestler”.
3. Actriz: Anne Hathaway, “Rachel Getting Married”; Angelina Jolie, “Changeling”; Melissa Leo, “Frozen River”; Meryl Streep, “Doubt”; Kate Winslet, “The Reader”.
4. Actor de reparto: Josh Brolin, “Milk”; Robert Downey Jr., “Tropic Thunder”; Philip Seymour Hoffman, “Doubt”; Heath Ledger, “The Dark Knight”; Michael Shannon, “Revolutionary Road”.
5. Actriz de reparto: Amy Adams, “Doubt”; Penélope Cruz, “Vicky Cristina Barcelona”; Viola Davis, “Doubt”; Taraji P. Henson, “The Curious Case of Benjamin Button”; Marisa Tomei, “The Wrestler”.
6. Director: David Fincher, “The Curious Case of Benjamin Button”; Ron Howard, “Frost/Nixon”; Gus Van Sant, “Milk”; Stephen Daldry, “The Reader”; Danny Boyle, “Slumdog Millionaire”.
7. Película extranjera: “The Baader Meinhof Complex”, Alemania; “The Class”, Francia; “Departures”, Japón; “Revanche”, Austria; “Waltz With Bashir”, Israel.
8. Guión adaptado: Eric Roth y Robin Swicord, “The Curious Case of Benjamin Button”; John Patrick Shanley, “Doubt”; Peter Morgan, “Frost/Nixon”; David Hare, “The Reader”; Simon Beaufoy, “Slumdog Millionaire”.
9. Guión original: Courtney Hunt, “Frozen River”; Mike Leigh, “Happy-Go-Lucky”; Martin McDonagh, “In Bruges”; Dustin Lance Black, “Milk”; Andrew Stanton, Jim Reardon and Pete Docter, “WALL-E”.
10. Largometraje animado: “Bolt”; “Kung Fu Panda”; “WALL-E”.
11. Dirección de arte: “Changeling”, “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “The Duchess”, “Revolutionary Road”.
12. Cinematografía: “Changeling”, “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “The Reader”, “Slumdog Millionaire”.
13. Mezcla de sonido: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Slumdog Millionaire”, “WALL-E”, “Wanted”.
14. Edición de sonido: “The Dark Knight”, “Iron Man”, “Slumdog Millionaire”, “WALL-E”, “Wanted”.
15. Música original: “The Curious Case of Benjamin Button”, Alexandre Desplat; “Defiance”, James Newton Howard; “Milk”, Danny Elfman; “Slumdog Millionaire”, A.R. Rahman; “WALL-E”, Thomas Newman.
16. Canción original: “Down to Earth” de “WALL-E”, Peter Gabriel y Thomas Newman; “Jai Ho” de “Slumdog Millionaire”, A.R. Rahman y Gulzar; “O Saya” de “Slumdog Millionaire”, A.R. Rahman y Maya Arulpragasam.
17. Vestuario: “Australia”, “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Duchess”, “Milk”, “Revolutionary Road”.
18. Largometraje documental: “The Betrayal (Nerakhoon)”, “Encounters at the End of the World”, “The Garden”, “Man on Wire”, “Trouble the Water”.
19. Documental corto: “The Conscience of Nhem En”, “The Final Inch”, “Smile Pinki”, “The Witness — From the Balcony of Room 306”.
20. Edición: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Frost/Nixon”, “Milk”, “Slumdog Millionaire”.
21. Maquillaje: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Hellboy II: The Golden Army”.
22. Cortometraje animado: “La Maison en Petits Cubes”, “Lavatory — Lovestory”, “Oktapodi”, “Presto”, “This Way Up”.
23. Cortometraje: “Auf der Strecke (On the Line)”, “Manon on the Asphalt”, “New Boy”, “The Pig”, “Spielzeugland (Toyland)”.
24. Efectos visuales: “The Curious Case of Benjamin Button”, “The Dark Knight”, “Iron Man”. ——— Ganadores anunciados previamente: Premio Humanitario Jean Hersholt: Jerry Lewis Premio Gordon E. Sawyer: Ed Catmull, cofundador de Pixar Animation . AP
PERFILES-NADIA FARES
Esta actriz francesa, de orígenes dispersos y disímiles, (su madre es rusa y su padre Argelino), nació un 20 de diciembre de 1973 en Marruecos.
Su vida personal al parecer fue bastante agitada en su adolescencia, (se llegó a decir que se había fugado con un hombre mucho mayor que ella) pero finalmente se instala en París con el sueño de ser cantante. Después de muchos intentos fallidos, en 1992 debuta en el cine con el filme "Les Amis de ma femme" de Didier Van Cauwelaert.
Sin embargo, gana reconocimiento y fama mundial, cuando interpreta a las gemelas y asesinas hermanas de LOS RIOS DE COLOR PURPURA del director MATHIEU KASSOVITZ. En el año 2000.
Así mismo su vinculación con el actor JEAN RENO no se limitó a dicho film, ya que ella realizaría el tema central de la película WASABI con el tema FOLLOW ME del año 2001.
En el 2002 Nadia Fares obtuvo un protagónico en la cinta de Florent Emilio Siri "Nid de guêpes", en la que interpreta a "Hélène Laborie" un agente de las fuerzas especiales de treinta años al lado de Samy Naceri y Sami Bouajila.
Filmografía de Nadia Fares
2005 L'Ex-femme de ma vie (La ex mujer de mi vida) de Josiane Balasko
2004 Pour le plaisir de Dominique Deruddere
2002 Apporte-moi de l'amour
2002 Coup franc indirect de Youcef Hamidi
2002 Nid de guêpes (Nido de avispas) de Florent Emilio Siri
2000 Les rivières pourpre (los Ríos de color púrpura) de Mathieu Kassovitz
1999 Le chateau des singes (voz)de Jean-François Laguionie
1998 Les grandes bouches de Bernie Bonvoisin
1996 Sous les pieds des femmes de Rachida Krim
1997 Les démons de Jésus de Bonvoisin
1996 Hommes femmes mode d'emploi de Claude Lelouch
1995 Dis-moi oui de Arcady
1994 Poliziotti
1994 Elles n'oublient jamais
UN CLASICO PARA EL RECUERDO
TRADING PLACES-DE MENDIGO A MILLONARIO
Nuestro clásico del mes, está centrado en un filme del año 1983, dirigida por JHON LANDIS (el mismo de UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES) y que en esta ocasión nos presenta a unos jóvenes y rozagantes EDDIE MURPHY, DAN AYKROYD, JAIME LEE CURTIS y a un veterano DON AMECHE.
Basada en un relato de MARK TWAIN, y a su vez en el guión de RONALD REAME de 1953 con el filme EL MILLONARIO, este filme obtuvo dos premios BAFTA en 1984, por mejor actor de reparto y mejor actriz. La historia se basa en la natural condición humana del azar, ¿qué estarías dispuesto a apostar por un dólar?, aunque a Mortimer y a Randolph, dos viejos usureros no les importó mucho, sus acciones imprevistas llevaron a un hombre honesto, educado en Harvard (LOUIS WINTHORPE, DAN AYKROYD) a encontrarse de un momento a otro en la calle, rozando en la mendicidad y el crimen, sitios en los cuales BILLY RAY VALENTINE-EDDIE MURPHY, estaba bien curtido.
El filme tiene un guión coherente, sencillo y cautivador, escrito por TIMOTHY HARRIS, entretiene y mantiene al espectador con interés por el desarrollo de la historia de principio a fin.
FICHA TECNICA
Reparto:
EDDIE MURPHY es BILLY RAY VALENTINE
DAN AYKROYD es LOUIS WINTHORPE
JAIME LEE CURTIS es OFELIA
DON AMECHE es MORTIMER DUKE
Guión: TIMOTHY HARRIS
Fotografía: ROBERT PAYNER
Producción: GEORGE FOLSEY Jr.
Música: ELMER BERSTEIN
País: ESTADOS UNIDOS
Año: 1983 Género: COMEDIA
PARAMOUNT PICTURES
Nuestro clásico del mes, está centrado en un filme del año 1983, dirigida por JHON LANDIS (el mismo de UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES) y que en esta ocasión nos presenta a unos jóvenes y rozagantes EDDIE MURPHY, DAN AYKROYD, JAIME LEE CURTIS y a un veterano DON AMECHE.
Basada en un relato de MARK TWAIN, y a su vez en el guión de RONALD REAME de 1953 con el filme EL MILLONARIO, este filme obtuvo dos premios BAFTA en 1984, por mejor actor de reparto y mejor actriz. La historia se basa en la natural condición humana del azar, ¿qué estarías dispuesto a apostar por un dólar?, aunque a Mortimer y a Randolph, dos viejos usureros no les importó mucho, sus acciones imprevistas llevaron a un hombre honesto, educado en Harvard (LOUIS WINTHORPE, DAN AYKROYD) a encontrarse de un momento a otro en la calle, rozando en la mendicidad y el crimen, sitios en los cuales BILLY RAY VALENTINE-EDDIE MURPHY, estaba bien curtido.
El filme tiene un guión coherente, sencillo y cautivador, escrito por TIMOTHY HARRIS, entretiene y mantiene al espectador con interés por el desarrollo de la historia de principio a fin.
FICHA TECNICA
Reparto:
EDDIE MURPHY es BILLY RAY VALENTINE
DAN AYKROYD es LOUIS WINTHORPE
JAIME LEE CURTIS es OFELIA
DON AMECHE es MORTIMER DUKE
Guión: TIMOTHY HARRIS
Fotografía: ROBERT PAYNER
Producción: GEORGE FOLSEY Jr.
Música: ELMER BERSTEIN
País: ESTADOS UNIDOS
Año: 1983 Género: COMEDIA
PARAMOUNT PICTURES
sábado, 7 de febrero de 2009
EDITORIAL Y PRESENTACION GENERAL
Visitantes,amigos, detractores y demás:
Tengo el placer de invitarlos a JUANKAZINETK, un espacio alternativo de la LIcenciatura en Artes Visuales de la Universidad Pedagógica Nacional, creado por y para estudiantes, que manifiesten algún interés en hablar, comentar, criticar y degustar del séptimo arte, en cualquiera de sus círculos de divulgación.
El mes anterior abrimos el foro presentando dos reseñas de dos interesantes producciones: LA VENTANA SECRETA, protagonizada por Jhonny Deep, basada en un escrito homónimo de Stephen King y otra producción hecha en formato de televisión titulada PATH TO WAR estelarizada por Michael Gambon. dos filmes que desde la esfera del thriller de suspenso y la recreación histórica, ponen de manifiesto una calidad en materia de guión, realización y dirección.
Para el mes de febrero, tenemos el gusto de hacer oficial la presentación del blog, y anunciamos nuestra carpeta de crítica y análisis cinematográfico, para ello dispondremos de secciones fijas y otras ocasionales. en el primer rango tenemos:
1. EL RECOMENDADO DEL MES
2. UN CLASICO PARA EL RECUERDO
3. PERFILES
4. INFONOTICIAS DEL SEPTIMO ARTE
5. LO QUE YO NO RECOMENDARIA VER
6. KRITIKON
Las ocasionales abordarán temas como UN MUSICAL CELEBRE, CINE DEL MUNDO y otras categorías, que pueden ir surgiendo según la necesidad.
Para el presente mes, en el recomendado del mes está reseñado el filme 16 BLOCKS, protagonizada por Bruce Willis, PERFILES nos presentará a la actriz y cantante francesa NADIA FARES,INFONOTICIAS cubrirá la entrega de los ACADEMY AWARDS 2009, mientras que KRITIKON, nos presenta el filme THE SAINT y en el paredón de lo que no vale la pena ver el filme TORQUE.
Por último hacemos la presentación de nuestro columnista invitado DANIEL RAMIREZ NOZA, quien nos dará una introducción amena y objetiva al cine de adultos.
Esperamos sus comentarios, aportes y deseos en el futuro. gracias pos contar con nosotros.
COMITE DE REDACCION.
Tengo el placer de invitarlos a JUANKAZINETK, un espacio alternativo de la LIcenciatura en Artes Visuales de la Universidad Pedagógica Nacional, creado por y para estudiantes, que manifiesten algún interés en hablar, comentar, criticar y degustar del séptimo arte, en cualquiera de sus círculos de divulgación.
El mes anterior abrimos el foro presentando dos reseñas de dos interesantes producciones: LA VENTANA SECRETA, protagonizada por Jhonny Deep, basada en un escrito homónimo de Stephen King y otra producción hecha en formato de televisión titulada PATH TO WAR estelarizada por Michael Gambon. dos filmes que desde la esfera del thriller de suspenso y la recreación histórica, ponen de manifiesto una calidad en materia de guión, realización y dirección.
Para el mes de febrero, tenemos el gusto de hacer oficial la presentación del blog, y anunciamos nuestra carpeta de crítica y análisis cinematográfico, para ello dispondremos de secciones fijas y otras ocasionales. en el primer rango tenemos:
1. EL RECOMENDADO DEL MES
2. UN CLASICO PARA EL RECUERDO
3. PERFILES
4. INFONOTICIAS DEL SEPTIMO ARTE
5. LO QUE YO NO RECOMENDARIA VER
6. KRITIKON
Las ocasionales abordarán temas como UN MUSICAL CELEBRE, CINE DEL MUNDO y otras categorías, que pueden ir surgiendo según la necesidad.
Para el presente mes, en el recomendado del mes está reseñado el filme 16 BLOCKS, protagonizada por Bruce Willis, PERFILES nos presentará a la actriz y cantante francesa NADIA FARES,INFONOTICIAS cubrirá la entrega de los ACADEMY AWARDS 2009, mientras que KRITIKON, nos presenta el filme THE SAINT y en el paredón de lo que no vale la pena ver el filme TORQUE.
Por último hacemos la presentación de nuestro columnista invitado DANIEL RAMIREZ NOZA, quien nos dará una introducción amena y objetiva al cine de adultos.
Esperamos sus comentarios, aportes y deseos en el futuro. gracias pos contar con nosotros.
COMITE DE REDACCION.
jueves, 5 de febrero de 2009
16 BLOCKS-16 CALLES
Este filme de acción, nos muestra a un BRUCE WILLIS en una actuación más conviencente y real, que las que hiciera en filmes donde obtuvo más reconocimiento tales como ARMAGEDDON y DIE HARD. Aquí tiene la oportunidad de encarnar a un policía (que es lo típico en él) ya de edad, y con problemas con el alcohol. es un personaje sombrío, triste y melancólico, que hece su trabajo de manera tan rutinaria, hasta que tiene la misíón de escoltar a un testigo (interpretado por MOS DEF) a un tribunal federal, que le llevará a desenmascarar toda una red de corrupción policial, de la cual el mismo detective Jack Mosley es partícipe.
El guión de este filme escrito por RICHARD WENK, logra ambientar inteligentemente los cauces de los protagonistas, las escenas de acción son interesantes porque, son muy sencillas, en especial la escena del autobús secuestrado, la tensión que genera el antagonista DAVID MORSE es creíble y lo sitúa como uno de los especialistas en este tipo de papeles. sin ser un filme de galardón, es una buena película.
FICHA TECNICA
BRUCE WILLIS es JACK MOSLEY
MOS DEF es EDDIE BUNKER
DAVID MORSE es FRANK NUGENT
DAVID SAYAS es ROBERT TORRES
GUION DE RICHARD WENK
PRODUCCION RANDALL EMMETT, BRUCE WILLIS Y JHON THOMPSON
FOTOGRAFIA GLEN MacPHERSON
PAIS ESTADOS UNIDOS AÑO 2006
DURACION 106 MINUTOS
GENERO THRILLER ACCION
MILLENIUNM FILMS
YO NUNCA RECOMENDARIA ESTE FILME
Nuestro condenado del mes, es uno de estos filmes que intentan hacerse paso a través de las franquicias que los usureros de Hollywood intentan echarnos por los ojos con títulos secundarios y flojos.
El filme FURIA EN DOS RUEDAS, es el más claro ejemplo de lo que uno no se tomaría el tiempo de ver: sobreactuaciones evidentes (ICE CUBE, por ejemplo deberia dedicarse a lo que sabe hacer, o sea a rapear no más), efectos especiales qua más bien parecen trucajes bobos de una serie sesentera (¿motocicletas con motor de helicópero????), un guión escrito más bien por un par de borrachos... lindas caritas que no són más que eso...(MARTIN HENDERSON y MONET MAZUR deberían estar en el mundo del modelaje y no de la actuación...), en fin es el filme más estúpido que he visto y por lo tanto el que nunca recomendaría para que alguien lo viera.
Si este filme intenta parecerse al que protagonizara VIN DIESEL y PAUL WALKER con RAPIDO Y FURIOSO, el intento sólo se quedó en eso, pues es tan malo el planteamiento que se hace, que ni siquiera tiene un reparto que dé consistencia a una historia tan floja y tan mediocre.
Ni se la vean porque pierden el tiempo....
jueves, 29 de enero de 2009
THE SAINT-EL SANTO
Esta cinta, basada en una popular serie de televisión británica de los sesentas, creada por LESLIE CHARTERIS, aunque con algunas diferencias de la versión original de los comics y otras versiones para cine, El director PHILLIPE NOYCE nos trae a VAL KILMER esteralizando a SIMON TEMPLAR (Simon Magus), con notorias singularidades.
La cinta tiene un argumento bastante aceptable. esto no quiere decir que sea precario, la historia hace un buen balance entre lo que se espera de un filme de acción: las explosiones, las persecuciones, la definición del los roles antagónicos (encabezados por RADE SEBERDZIJA), el típico enlace amoroso del héroe con ELISABETH SHUE y su interpretación de EMMA RUSSELL, una mujer de ciencia agobiada por la soledad, y el nudo de la historia: una nueva fuente de energía barata e ilimitada, se conjugan bien. es de esas cintas que sirven para pasar un buen rato una tarde de domingo o de ocio. el filme cumple con su cometido de entretener, y lo hace en términos generales bien.
Es también singular la banda sonora a cargo de DURAN DURAN y el tema del cierre OUT OF MY MIND. aunque no encuentro qué posibles vínculos hay con la línea del FASHION WAVE en el filme, puedo decir que en algunos aspectos de dirección de arte, la cinta posee cierta estética que no puede pasar desapercibida y que en un punto relevante se centra en los diversos disfraces que SIMON TEMPLAR, (mezcla entre ladrón y espía)emplea en las circunstancias que lo requiere.
FICHA TECNICA
REPARTO: VAL KILMER es SIMON TEMPLAR
ELISABETH SHUE es EMMA RUSSELL
RADE SEBERDZIJA es IVAN TRETIAK
GUION: JONATHAN HEINSLEIGH
LESLIE CHARTERIS
PRODUCCION: ROBERT S.BAKER
DIRECCION: PHILLIPE NOYCE
AÑO: 1997 PAIS: E.U.A.
La cinta tiene un argumento bastante aceptable. esto no quiere decir que sea precario, la historia hace un buen balance entre lo que se espera de un filme de acción: las explosiones, las persecuciones, la definición del los roles antagónicos (encabezados por RADE SEBERDZIJA), el típico enlace amoroso del héroe con ELISABETH SHUE y su interpretación de EMMA RUSSELL, una mujer de ciencia agobiada por la soledad, y el nudo de la historia: una nueva fuente de energía barata e ilimitada, se conjugan bien. es de esas cintas que sirven para pasar un buen rato una tarde de domingo o de ocio. el filme cumple con su cometido de entretener, y lo hace en términos generales bien.
Es también singular la banda sonora a cargo de DURAN DURAN y el tema del cierre OUT OF MY MIND. aunque no encuentro qué posibles vínculos hay con la línea del FASHION WAVE en el filme, puedo decir que en algunos aspectos de dirección de arte, la cinta posee cierta estética que no puede pasar desapercibida y que en un punto relevante se centra en los diversos disfraces que SIMON TEMPLAR, (mezcla entre ladrón y espía)emplea en las circunstancias que lo requiere.
FICHA TECNICA
REPARTO: VAL KILMER es SIMON TEMPLAR
ELISABETH SHUE es EMMA RUSSELL
RADE SEBERDZIJA es IVAN TRETIAK
GUION: JONATHAN HEINSLEIGH
LESLIE CHARTERIS
PRODUCCION: ROBERT S.BAKER
DIRECCION: PHILLIPE NOYCE
AÑO: 1997 PAIS: E.U.A.
lunes, 26 de enero de 2009
PATH TO WAR-CAMINO A LA GUERRA
Las buenas intenciones no bastan... y menos en el convulsionado escenario de la política norteamericana. Cuando Jhon F. Kennedy es asesinado en Dallas en 1963, Lyndon Baines Jhonson, eS llamado a sucederle en el trono de la presidencia. ¿Estaría preparado para suceder este ranchero de Texas a uno de los más carismáticos mandatarios de la historia de los Estados Unidos?
Este interesante filme hecho originalmente para el formato televisivo pot HBO en el año 2004, constituiría el cierre de la actividad cinematográfica del director JHON FRANKENHEIMER (El Candidato de Manchuria, Ronin )y se centra más en ver cómo Jhonson llevó las riendas del poder, en medio de las tensiones de los hechos de la época:- la discriminación racial en el estado de Alabama, el asesinato de Martin Luther King y la guerra del Vietnam, le llevarían cronológicamente a pasar del estadio de la popularidad al fracaso y la decepción.
Es un filme que hace registro a la historia contemporáneA.
FICHA TECNICA
MICHAEL GAMBON es lYNDON B. JHONSON
DONALD SUTHERLAND es CLARK M. CLIFFORD
ALEC BALDWIN es ROBERT McNAMARA
GARY SINISE es GEORGE C. WALLACE
GUIÓN: RICHARD FRANCIS-BRUCE
PRODUCCIÓN: CARY BROKAW
Año: 2002 Género: DRAMA
País: E.U.A. - REINO UNIDO
Este interesante filme hecho originalmente para el formato televisivo pot HBO en el año 2004, constituiría el cierre de la actividad cinematográfica del director JHON FRANKENHEIMER (El Candidato de Manchuria, Ronin )y se centra más en ver cómo Jhonson llevó las riendas del poder, en medio de las tensiones de los hechos de la época:- la discriminación racial en el estado de Alabama, el asesinato de Martin Luther King y la guerra del Vietnam, le llevarían cronológicamente a pasar del estadio de la popularidad al fracaso y la decepción.
Es un filme que hace registro a la historia contemporáneA.
FICHA TECNICA
MICHAEL GAMBON es lYNDON B. JHONSON
DONALD SUTHERLAND es CLARK M. CLIFFORD
ALEC BALDWIN es ROBERT McNAMARA
GARY SINISE es GEORGE C. WALLACE
GUIÓN: RICHARD FRANCIS-BRUCE
PRODUCCIÓN: CARY BROKAW
Año: 2002 Género: DRAMA
País: E.U.A. - REINO UNIDO
THE SECRET WINDOW-LA VENTANA SECRETA
Morton Rainey, encarna en este filme la venganza esquizofrénica redimida, iniciada en el trágico ciclo de la infidelidad causada por su esposa Amy con su amante Ted Milner, desarrollada a través de la siniestra amenaza de Jhon Shooter y concluída con una serie de homicidios, que realzan una sed de justicia sangrienta, que busca desaparecer todo rastro de evidencia.
El transtorno disociativo que Morton padece, al iniciar el filme se deja ver fugazmente pero no de manera directa, cuando sorprende a su esposa y a su amante en un motel. los hechos que se suceden desde allí hacen que la verdad descarnada surja, de manera inconsciente, Morton debe confrontarse a sí mismo, en un camino que ya no tiene reversa, y que delata el misterio que le une a Jhon Shooter.
Basada en el relato de Sthepen King SECRET WINDOW, SECRET GARDEN, este filme logra excitar al espectador en su deseo por descubrir una revelación sin marcha atrás....
FICHA TECNICA
Reparto: Jhonny Deep es Morton Rainey
Jhon Turturro es Jhon Shooter
Maria Bello es Amy
Timothy Hutton es Ted Milner
Charles S. Dutton es Ken Kelsch
Len Cariou es Dave Newsome
Guión : David Koepp Basada en un relato de Stephen King.
Dirección: David Koepp
Año: 2004 País: E.U.A
Género: Suspenso
Producción: SONY PICTURES ENTERTEINMENT
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